Sonore @ Blue Tomato, Vienne, jeudi 1er novembre 2007

Jeudi 1er novembre, le Blue Tomato ouvrait le 10e IG-Jazz Festival par une prestation du trio Sonore, soit la ligne de sax du Chicago Tentet : Peter Brötzmann, Mats Gustafsson et Ken Vandermark. Petite salle, gros son. Énorme même, par moments. Mais pas seulement. Et c'est sans doute là que réside la surprise. Certains thèmes sont très doux, comme possédant des résonances folkloriques puisées dans le fin fond des mémoires paysannes d'Europe centrale ou de Scandinavie. Les explosions sonores, brutales plus que bruitistes, en semblent alors le prolongement, comme une exacerbation expressionniste qui mêlerait l'ancestral et le contemporain.

Brötzmann, alto, ténor et clarinette au bec, mène le plus souvent le discours. C'est lui qui donne les directions à suivre, impulse changements de rythme et montées en puissance. Mats Gustafsson s'exprime essentiellement au baryton, servant de bas(s)e à la construction de l'ensemble. Mais il apporte aussi quelques sonorités décalées à l'aide d'une clarinette métal et d'un sax à coulisse. Ken Vandermark alterne ténor et clarinette, œuvrant plus souvent que ses compères dans le registre mélodique. Si les passages collectifs surpuissants impressionnent - c'est ce qu'on attend de ces trois-là - les solos que chacun prend au cours du concert révèlent des sensibilités plus complexes. Au final, on retient plus de ce concert la richesse des paysages sonores abordés que le révolutionnarisme un peu daté que ce genre de musique suppose parfois. Tant mieux !

Arne Lygre - Homme sans but @ Ateliers Berthier, vendredi 26 octobre 2007

Le noir. Total. Puis, une lumière ouatée, d'aube naissante. Deux silhouettes se détachent sur un sol immaculé. Elles contemplent un fjord. Peter et son frère viennent d'y accoster. Ils rêvent d'y construire, à partir de rien, une ville nouvelle. Peter, à qui tout a toujours réussi, veut se mettre en danger, connaître ne serait-ce que la possibilité de l'échec. Les gestes sont lents. Les déplacements comme entravés par de lourdes semelles de plomb. La langue se déploie dans le temps. Devient arythmique. Les personnages sont-ils bien réels ? Ne sommes-nous pas plutôt projetés dans une autre dimension, peuplée d'avatars virtuels, à l'espace et au temps encore mal définis ?

La pièce d'Arne Lygre, jeune auteur norvégien né en 1968, présentée actuellement aux Ateliers Berthier dans le cadre du Festival d'Automne, joue constamment de la confusion entre le réel et le virtuel, l'apparence et le concret. Avec, en son centre, un personnage principal qui semble réunir ces deux contraires : l'argent. Homme sans but est une pièce sur le pouvoir (corrupteur ?) de l'argent, le pouvoir d'achat. Peter, milliardaire ayant fait fortune dans on ne sait quel virtual business, achète tout. Il arnaque d'abord le propriétaire des terrains longeant le fjord pour y construire sa ville. Il reconstitue, ensuite, grâce à son argent, une vie sociale et familiale pleine d'apparences et de faux-semblants qui se délitera après sa mort, gangrénée par le cancer de l'héritage.

La mise en scène de Claude Régy dilate le temps. Le silence y est roi. L'économie (polysémie lourde de sens) est au cœur de sa vision de l'œuvre de Lygre. Les gestes et les mots sont précis. Chirurgicaux. Violents parfois. Comme invisibles le plus souvent. La pièce est portée par la présence électrisante de Jean-Quentin Chatelain, dans le rôle de Peter. L'acteur suisse, que j'avais pu voir récemment dans l'adaptation scénique du Kaddish pour l'enfant qui ne naîtra pas d'Imre Kertész, y joue à merveille de son timbre de voix si particulier. Traînant. Magnétique. Il porte les deux premiers tiers de la pièce. Le dernier tiers, après sa mort, souffre de son absence.

Une atmosphère étrange émane finalement de cette pièce. Les personnages oscillent entre le je et le il. Tout y est lent. La lumière semble simultanément crue et ouatée. Les sons, évanescents et stridents. La vie ressemble à la mort. La mort ne ressemble pas à la vie. La langue est simple, économe. Elle crée l'âpreté. Lygre fait sentir le vide comme la langue de Hamsun fait sentir, physiquement, la faim. La force de cette œuvre n'est pas immédiate. Elle laisse le spectateur en suspens, dans une impression mitigée. Elle demande l'effet du temps. Mais elle marque. D'une manière indélébile.

Alain Platel - vsprs @ Théâtre de la Ville, jeudi 18 octobre 2007

Sous ce titre un peu énigmatique se cache le dernier spectacle du chorégraphe flamand Alain Platel, des Ballets C. de la B., créé l'année dernière au Théâtre de la Ville, et qui y revient pour quinze jours cet automne. J'y étais hier soir.

Le titre fait référence aux Vêpres de la Vierge de Monteverdi, revues par Fabrizio Cassol, saxophoniste d'Aka Moon. Pour l'occasion, une chanteuse (Christina Zavalloni) et neuf musiciens interprètent sur scène la musique : les trois d'Aka Moon (vus récemment en clôture de Jazz à la Villette pour le concert-anniversaire de leurs quinze ans), l'ensemble baroque Oltremontano (deux sacqueboutes et deux cornets à bouquin) et deux musiciens roms, Tcha Limberger au violon et à la flûte et Vilmos Csikos à la contrebasse. La musique, malgré les différentes atmosphères abordées, trouve assez vite son unité, comme parcourue d'un bout à l'autre par une certaine tension spirituelle propice à l'élévation des corps. Et c'est d'ailleurs un spectacle en trois dimensions que proposent les dix danseurs présents sur scène. Le fond de la scène est en effet surmonté d'une montagne de vêtements immaculés qui sert de prétexte à des jeux d'escalade acrobatiques.

Danseurs ou circassiens, les membres des Ballets C. de la B. entremêlent les genres, d'hallucinants mouvements contorsionnistes en éructations spasmodiques de noms de super-héros (de Superman à Lassie chien fidèle). La musique se tait parfois, laissant les corps traversés de tremblements seuls en scène, comme dénudés, frappée d'une fragilité inquiétante. On pense souvent aux mouvements mi-automatiques mi-incontrôlés des aliénés mentaux, source d'inspiration avouée de Platel pour ce spectacle. Les transes africaines décrites dans le programme sont moins évidentes. Certains solos ont une grande force émotionnelle, quelques passages collectifs proposent de captivants mouvements désordonnés/réordonnés en instantané. Toutefois, la force de la danse semble s'épuiser au fur et à mesure que le spectacle avance, comme consumée de l'intérieur par une volonté de trop en faire. La fin est laborieuse, recourant de manière un peu systématique à quelques clichés éculés de l'art contemporain : la répétition ad lib., le mime sexuel avec sous-titres clignotants, l'épuisant épuisement de la musique et des gestes. Ma voisine lâchera même un retentissant "Mein Gott. Das is schlecht" avant de ne pouvoir contenir un fou rire et de lancer, en se levant, un définitif "ich kann nicht mehr".

La fin - interminable - gâche ainsi un spectacle pourtant assez captivant sur ses deux premiers tiers. On regrette que Platel n'ait pas su terminer plus tôt. L'œuvre y aurait certainement gagné en impact. Plus concentrée, resserrée, elle y aurait gagné un sens qui finit par se diluer dans un éclectisme trop éclaté.

Doug Hammond @ Point Ephémère, samedi 8 septembre 2007

Samedi, toujours au Point Ephémère, nouvelle déception avec la prestation sans intérêt de Doug Hammond. Je ne connaissais le batteur qu'à travers un disque, Perspicuity (1982) en trio avec Steve Coleman et le violoncelliste Muneer Adbul Fataah. Je me faisais une joie de pouvoir entendre cette légende méconnue, souvent citée par Coleman comme l'un de ses mentors, et souvent décrit comme l'inspirateur des conceptions rythmiques du M-Base. Doug Hammond a commencé le concert en solo, jouant de la batterie et chantant en même temps. Une voix pas désagréable, mais qui ne me touche pas. Son jeu de batterie n'est du coup pas au centre de ses préoccupations, et il ne se passe par conséquent pas grand chose. Je reste au bord de la touche. Sur la fin du concert, Doug Hammond est rejoint par les musiciens électro Joakim et Discipline. Là non plus, rien ne se passe. Ni groove, ni expérimentale, la partie électronique n'apporte rien. De vagues nappes d'ambiance qui peinent à créer quelque chose. Au bout d'une petite heure, le concert est déjà fini, alors qu'il ne semble jamais avoir véritablement commencé.

Kartet @ Point Ephémère, mercredi 5 septembre 2007

Mercredi soir, changement d'ambiance, avec Kartet au Point Ephémère, une salle à taille humaine, même s'il faut rester debout. Deuxième concert de Kartet pour moi cette année après leur passage par la Dynamo en mai dernier (pas eu le temps de le chroniquer, mais c'était super, avec Myra Melford en solo en première partie, géniale). Ce n'est pas de trop, surtout après ces quelques années de silence en tant que groupe. Kartet c'est Benoît Delbecq au piano (préparé), Guillaume Orti au sax alto, Hubert Dupont à la contrebasse et Chander Sardjoe à la batterie, soit le meilleur groupe de jazz français de ces quinze dernières années (et même un peu plus, Kartet existe depuis 1989). A nouveau un énorme plaisir à les entendre live ce mercredi. Ça groove incroyablement. C'est intéressant de les entendre dans le cadre de la programmation "Steve Coleman" du festival. Delbecq et Orti étaient des stages au Banff Center en 1990 quand Coleman en était le directeur artistique. L'influence des conceptions formelles du chicagoan se retrouve naturellement dans la musique de Kartet, mais on ne peut en aucun cas résumer leur musique à une descendance évidente et directe de l'esthétique M-Base. De nombreux autres ingrédients composent la potion magique de Kartet, à commencer par l'écoute attentive de la musique du XXe siècle (Ligeti, toujours, mais aussi Messiaen, Debussy...) ou des rythmes traditionnels indiens ou africains (science rythmique au sommet). La musique de Kartet peut paraître paradoxale à la première écoute : quoi de commun entre le style très vocal, délié, de Delbecq, le groove solide d'Hubert Dupont, les rythmes fous de Chander Sardjoe, et le dépouillement feutré de Guillaume Orti ? Rien, et c'est ça qui est génial : ils ont su construire une véritable identité de groupe, à partir d'éléments divers, et aujourd'hui cela sonne comme si tout cela était le résultat d'une rencontre des plus naturelles.

Le concert a débuté par Misterioso, thème de Monk qui ouvre leur récent cinquième album (The Bay Window). Le concert de Benoît Delbecq en duo avec Han Bennink à la Dynamo l'année dernière nous avait renseigné sur l'amour du pianiste pour son glorieux prédécesseur. L'intégration de l'écriture claudiquante de Monk à l'esthétique de Kartet fait immédiatement sens. Le concert commence bien. Très bien. Et la suite - uniquement des compos des membres du groupe - est du même tonneau. Il faut saluer le travail des ingénieurs du son qui ont su parfaitement adapter la musique du groupe aux dimensions de la salle, de telle sorte qu'on avait le sentiment d'être au cœur du groupe, resserré sur scène, compact et bouillonnant d'énergie. On ne voit pas le temps passer. Les morceaux extraits de The Bay Window s'enchaînent avec passion - on reconnaît les "pattes" différentes selon que l'écriture en revient à Benoît, Guillaume ou Hubert. Il y a aussi quelques emprunts à Spider's Dance de Dupont T, groupe d'Hubert Dupont où l'on retrouve Chander Sardjoe, l'alto de Rudresh Mahanthappa (excellent Codebook chez Pi) et le piano d'Yvan Robilliard. Sur scène, le groove semble plus évident que sur disque, plus direct. Plus d'une fois les musiciens laissent le plaisir monté, la musique se jouer toute seule, quand sur disque la maîtrise du temps et du format semble prédominante. Une complémentarité exemplaire. Vraiment un grand concert.