Jazzfest Berlin 2026, 2e soir, vendredi 30 octobre 2026

Camila Nebbia Large Ensemble @ Haus der Berliner Festspiele, 18h30

Comme la veille, c’est à une résidente berlinoise d’origine sud-américaine que revient l’honneur de lancer la soirée sur la grande scène de la Festspiele. La saxophoniste argentine Camila Nebbia présente pour l’occasion la première d’une œuvre écrite pour un grand ensemble, The darkness, overwhelming and imposing, compelled me to light my own fires, qui s’inspire de l’histoire de son arrière grand-père, émigré libanais en Argentine. Autour du ténor de la compositrice, on retrouve quelques noms connus au sein de la section rythmique (Kit Downes au piano et à l’orgue, Nick Dunston à la contrebasse et Lesley Mok à la batterie), mais surtout beaucoup de découvertes dans le reste de l’orchestre : les cordes de Maria Reich (violon), Joanna Mattrey (alto) et Julia Biłat (violoncelle), le trombone de Weston Olencki, la guitare de Arne Braun et les machines de Ludwig Wandinger. L’ensemble est complété par un dispositif vidéo, où l’on retrouve une expression picturale abstraite propre à Camila Nebbia, souvent utilisée sur les pochettes de ses disques. La pièce, unique, se déploie sur une heure. L’écriture, imagée, s’empare avec bonheur de la plasticité de l’orchestre, alternant les registres, mais avec une volonté constante de faire sens comme un tout. C’est ambitieux et pour tout dire très réussi. On reste captivé de bout en bout, aussi bien dans les passages atmosphériques jouant sur les textures que dans les solos qui irriguent la composition - de Camila Nebbia elle-même, mais aussi d’Arne Braun à la guitare, Joanna Mattrey à l’alto, Weston Olencki au trombone ou Kit Downes aux claviers entre autres. A chaque fois, il ne s’agit pas tant d’un morceau de bravoure individuelle que d’une contribution pertinente à la pièce prise dans son ensemble. Il y a également une inventivité constante de Lesley Mok à la batterie, variant les modes, surlignant ici, apportant un contrepoint là, confirmant tout le bien que je pensais déjà d’elle après l’avoir déjà vue auprès de Théo Girard comme d’Anna Webber. On connaissait jusque là Camila Nebbia pour sa sonorité au tenor et son goût pour l’improvisation dans de petits ensembles. Le concert de ce soir nous a révélé une grande compositrice !

Amir ElSaffar New Quartet @ Haus der Berliner Festspiele, 20h00

Le trompettiste chicagoan d’origine irakienne Amir ElSaffar a assemblé il y a quelques années un quartet pour poursuivre sa quête d’une musique irriguée tout autant par la tradition du maqam que par celle du jazz. Le groupe a publié récemment un disque live, enregistré… à Berlin, dans la Pierre Boulez Saal. Il y a donc une certaine logique à les retrouver sur la scène du festival d’une ville qui leur est indirectement associée. Sont présents les mêmes musiciens que sur le disque, à savoir le saxophoniste tenor norvégien Ole Mathisen, la pianiste grecque Tania Giannouli et l’indispensable Tomas Fujiwara à la batterie. La musique d’Amir ElSaffar fait la part belle à la microtonalité, et le piano de Tania Giannouli a ainsi été réaccordé pour lui permettre de se fondre dans les harmonies de la musique orientale. Le mariage des deux traditions est rendu possible par la transcendance de chacune d’entre elles. On retrouve ainsi des harmonies qui évoquent le Levant, mais complètement intégrées à un language nourri par les approches contemporaines des musiques improvisées occidentales. Les morceaux au long cours nous emportent avec eux, portés par une intensité remarquable de chaque interprète, à commencer par le leader à la trompette, mais aussi aux vocalises sur la fin du concert, tel un chanteur soufi porté par sa dévotion mystique. Une musique qui prend toute sa dimension en concert tellement elle s’incarne dans l’interprétation du moment présent. 

Immanuel Wilkins Quartet @ Haus der Berliner Festspiele, 21h30

Ce concert fait un peu office de session de rattrapage pour moi, ou de deuxième chance. J’avais en effet vu une première fois le quartet du saxophoniste alto Immanuel Wilkins l’année dernière à Radio France, mais j’étais sorti un peu dubitatif du concert, et ne l’avais par conséquent pas chroniqué. Une musique un peu trop à sens unique à mon goût, trop virtuose, sur un registre trop uniforme, véloce et puissante. Ça manquait de quelques moments de respiration. On retrouve le jeu tout en tension du quartet dans ce concert berlinois, avec une sonorisation qui m’a semblé à nouveau poussée à la limite (surtout flagrante sur le piano et l’orgue de Micah Thomas), mais cette fois-ci les registres ont été plus variés, s’autorisant des passages moins enlevés qui apportaient ce qui avait manqué la première fois, de l’air. Ainsi du premier  morceau du concert, où le quartet a accueilli la chanteuse Ganavya (berlinoise, et à l’affiche du festival dimanche) pour quelques vocalises d’inspiration carnatique qui apportaient un contrepoint lumineux à la vélocité du leader. Ainsi d’une morceau plus apaisé en cours de concert qui interrompt le déluge de notes et de rythmes qui fait par ailleurs la marque de fabrique d’Immanuel Wilkins et de ses acolytes. Ces moments de respiration permettent de mieux apprécier qu’il y a un an la densité des morceaux uptempo. Héritier d’une tradition qui remonte à Charlie Parker, Immanuel Wilkins actualise les sinuosités échevelées du bop, bien aidé par une rythmique puissante et très présente, servie par Ryoma Takenaga à la contrebasse et Kweku Sumbry à la batterie. C’est impressionnant, il est vrai, mais la nuance et les contrastes ont du bon parfois. 

Otomo Yoshihide New Jazz Quintet @ Haus der Berliner Festspiele, 23h00

Pour le dernier concert de la soirée, on quitte la grande salle pour se retrouver dans une salle aménagée dernière la scène principale. Finis les fauteuils, c’est debout que le public nombreux vient prendre de plein fouet le free jazz bruitiste de la légende japonaise. Otomo Yoshihide a reformé depuis quelques années son New Jazz Quintet qui avait officié au tournant du millénaire (1999-2004). On retrouve les fidèles Mizutani Hiroaki à la contrebasse et Yoshigaki Yasuhiro à la batterie. Les soufflants ont eux été renouvelés, avec Ruike Shinpei à la trompette et le local de l’étape, le saxophoniste alto américain mais berlinois Chris Pitsiokos. L’idée de base du groupe n’a pas changé, il s’agit de jouer à fond une musique directement issue des grandes heures du free jazz des 60s, entremêlant compositions originales et reprises de morceaux associés à Ornette Coleman ou Eric Dolphy principalement. Aucune annonce ne sera faite pour savoir quels sont les morceaux joués. Sans certitude, le premier morceau m’a évoqué les sonorités chères à Charlie Haden. Un autre morceau au cours du set m’a semblé tiré d’Out To Lunch d’Eric Dolphy. Et le rappel, à la demande de quelqu’un dans le public était Eureka, un morceau de Jim O’Rourke qui est au répertoire du groupe depuis longtemps. Comme Immanuel Wilkins précédemment, il s’agit ici aussi d’une musique puissante, basée sur la dépense d’énergie de ses interprètes, mais la plus grande variété orchestrale d’une part, et les passages bruitistes dont le guitariste nippon a le secret d’autre part, donnent un relief plus escarpé aux morceaux qui en maintient l’intérêt sur la durée. L’engagement constant de chacun nous emporte avec eux, on ressort épuisé mais heureux de ce genre de performance, et d’avoir eu la chance de voir de si près ce groupe mythique à la présence rare.

Jazzfest Berlin 2026, 1er soir, jeudi 29 octobre 2026

Mariá Portugal’s Erosão Percussion Trio @ Haus der Berliner Festspiele, 18h00

L’édition 2026 commence avec une artiste locale. Si elle est brésilienne d’origine, la batteuse Mariá Portugal a en effet élu résidence dans la capitale allemande depuis quelques années. C’est ainsi sur un label local, Fun in the church, qu’elle a publié en 2021 un premier album sous son nom, Erosão. Elle y confrontait les belles mélodies issues de la tradition de la chanson brésilienne avec une approche instrumentale plus expérimentale, aussi bien nourrie de free jazz que de bruitages électroniques. L’idée de départ n’était pas sans rappeler la démarche d’un Arto Lindsay, bien que le rendu en soit en bien des points différents. A la suite de la parution de ce disque, Mariá Portugal a décliné l’approche en différents groupes afin d’en prolonger le geste. C’est la version percussive qui se produit en ouverture du festival. Mariá Portugal est ainsi entourée de deux autres batteurs, Emiliano Gordoa, qui manipule également quelques beats électroniques, et Burkhard Beins, qui lui ajoute occasionnellement une basse électrique à sa panoplie. Loin d’une avalanche de rythmes enlevés, le trio propose plutôt un parcours à travers des paysages escarpés, alternant les bruissements à bas bruit et les bruitages plus touffus. Sur ce tapis rythmique loin d’être uniforme, Mariá Portugal chante, en portugais, des mélodies fragiles qui accentuent l’effet de contraste au cœur de son approche musicale. 

A la suite de cette première prestation, un film d’une vingtaine de minutes réalisé lors de l’édition précédente du festival est projeté. Il témoigne d’une semaine d’ateliers mêlant musiciens professionnels, amateurs, danseurs, enfants du quartier de Moabit. On y retrouve ainsi les musiciens qui s’étaient produits sur scène en préambule du concert de Pat Thomas l’année dernière, parmi lesquels Joel Grip ou Michael Griener notamment. Une bonne manière de passer le relais entre les deux éditions du festival, nous rappelant que Mariá Portugal était également de cette dernière soirée de l’édition 2025, au sein du Fire! Orchestra de Mats Gustafsson. 

Anthony Braxton Septet @ Haus der Berliner Festspiele, 19h45

L’événement de cette première soirée, c’est la création d’une nouvelle composition d’Anthony Braxton, basée sur un nouveau langage dont le multi-anchiste chicagoan a le secret. Pour l’occasion, trois saxophonistes et trois tubistes font face au compositeur sur scène. De gauche à droite, le fidèle James Fei à l’alto et au sopranino, Berlinde Deman au tuba, Silke Eberhard à l’alto, Fanny Méteier au tuba, Anna Webber au tenor et Matthew Bookers au tuba. Si parmi les tubistes, je ne connais que Fanny Méteier (aperçue dans l’ONJ de Sylvaine Hélary notamment), c’est un vrai plaisir de retrouver les trois saxophonistes : James Fei déjà entendu auprès de Braxton lors de l’édition 2015 de Sons d’hiver, Silke Eberhard dont les disques, en trio ou avec Potsa Lotsa, tournent régulièrement sur ma platine, et Anna Webber dont le concert à Lisbonne cet été a été un des sommets de l’année. Braxton lui-même n’empoigne que parcimonieusement un soprano, se contentant la plupart du temps du rôle de chef d’orchestre pour conduire ses collaborateurs à travers sa nouvelle composition. Vu l’instrumentarium rassemblé, tout n’est qu’une question d’air et de souffle. Pas à plein poumon néanmoins, plutôt dans un registre retenu, du domaine de l’infrason, où il s’agit d’entendre l’air circuler entre les pupitres avant même de percevoir les notes. Des mélodies fantomatiques se glissent de-ci de-là dans la composition, entourées par l’air circulant et les obstacles électroniques issus d’un laptop. On retrouve les préoccupations esthétiques de Braxton telles que j’avais déjà pu les entendre lors de quatre précédents concerts, mais c’est la première fois que les instruments à vent ne sont pas “complétés” par une autre sonorité (une guitare à la Villette en 2005, à Lisbonne en 2013 ou à Sons d’hiver en 2015, un accordéon à Prague en 2021). 

Alexander Hawkins’s Willow Music @ Haus der Berliner Festspiele, 21h15

Les deux premiers concerts de la soirée ont proposé une musique marquée par une certaine retenue. C’est donc avec un vrai effet de contraste que commence le troisième. Le pianiste britannique Alexander Hawkins a en effet assemblé une sorte de petit big band, qui s’inspire très clairement de toute une tradition du jazz pour grand ensemble, et peut-être avant tout des suites de Duke Ellington. En plus du pianiste qui, à la manière de Braxton précédemment, se concentre plus sur son rôle de chef d’orchestre que d’instrumentiste, ils sont dix sur scène. Nick Dunston à la contrebasse et Stephen Davis à la batterie forment la paire rythmique qui ancre l’ensemble dans un swing constant. Chelsea Carmichael (sax tenor et flute), Tom Challenger (sax alto, clarinette et flute), Marco Colonna (clarinette), George Crowley (clarinette basse et sax tenor) et Alicia Gardener-Trejo (flute et clarinette basse) forment un quintet à vent, assis en première ligne, qui ouvre la musique vers des développements free et contemporains. Matthias Müller (trombone), Charlotte Keeffe (trompette) et Olivia Hughes (tuba) servent de lien entre la rutilance propre à la tradition et les dérèglements contrôlés qui irriguent l’écriture d’Alexander Hawkins. Découvert il y a une quinzaine d’années au sein du Convergence Quartet (avec Taylor Ho Bynum, Dominic Lash et Harris Eisenstadt ), le pianiste britannique a depuis lors construit patiemment une carrière des plus intéressantes, publiant de nombreux disques en leader sur le label suisse Intakt, dans des formats très variés (solo, duos, trio ou ensembles plus fournis), qui en font une des voix à suivre sur la scène jazz actuelle. Pour ce concert, il propose une sorte de big band désarticulé, qui s’inspire clairement des références du passé, sans s’y réduire complètement néanmoins. Ainsi de cet étonnant passage en quintet à vent seulement qui pourrait se retrouver dans un programme de musique contemporaine. Ainsi du contraste entre une paire rythmique qui assure le groove et des soufflants qui multiplient les discours non coordonnés. On reste à bonne distance d’une écriture trop classique (on n’a ainsi pas à faire à une succession de solos soutenus par la machine cuivrée), mais qui n’oublie néanmoins pas d’où elle puise sa source. On sait également le goût pour les musiques africaines du pianiste (collaborateur de Louis Moholo-Moholo notamment), et on n’est donc pas surpris quand le dernier morceau s’appuie sur une rythmique afrobeat que n’aurait pas renié Fela. Little big band kaleidoscopique qu’on aimerait pouvoir retrouver sur disque afin d’avoir l’occasion de mieux pénétrer son riche programme.

Karoline Wallace’s Eon @ Quasimodo, 22h30

Après les concerts de la grande salle de la Festspiele, la première soirée se termine dans la cave plus intimiste du Quasimodo. Pour l’occasion, la chanteuse norvégienne Karoline Wallace est venue avec le groupe responsable de son plus récent disque, Eon, paru sur le nouveau label norvégien qui monte, Sauajazz. Aux côtés de la chanteuse, on trouve ainsi Signe Emmeluth au sax alto, à la flûte et aux machines, Karl Bjorå à la guitare, Joel Ring au violoncelle et Martin Langlie à la batterie et occasionnellement au banjo et aux machines. Le passage du disque à la scène accentue la sauvagerie et l’énergie de la musique. A quelques mètres de distance, on est ainsi frappé par l’intensité avec laquelle ils jouent, quand le disque mettait l’accent sur les contrastes. La voix de Karoline Wallace n’est en effet pas du genre à hurler. Elle susurre de douces mélodies, articule des chansons (en norvégien) qui semblent plus folk que punk. Et, si elle conserve une certaine douceur dans son approche sur scène, ses compagnons d’arme sont eux dans une approche beaucoup plus débridée, à commencer par Signe Emmeluth, particulièrement intense au saxophone. La saxophoniste danoise avait eu les honneurs de la grande scène lors de l’édition précédente du festival, et c’est un vrai plaisir de pouvoir la retrouver dans ce contexte plus brut de décoffrage, où elle laisse exploser tout son potentiel expressif. La confirmation qu’on tient là une de ces nouvelles voix qui comptent sur la scène jazz européenne. Grand concert ! 

Isaiah Collier plays Coltrane @ Divadlo Dobeška, vendredi 16 octobre 2026

Quelques semaines après la date précise (le 23 septembre), le jeune saxophoniste chicagoan Isaiah Collier, 28 ans à peine, est sur la scène d'un petit théâtre de quartier du sud de Prague pour célébrer le centenaire de John Coltrane. Pour l'occasion, il se présente à la tête d'un quartet afin d'évoquer la formation la plus associée à la discographie du grand homme. Pour l'accompagner on trouve ainsi Liya Grigoryan au piano, Conway Campbell à la contrebasse et Tim Regis à la batterie, le leader alternant saxophones ténor et soprano, ainsi que quelques percussions (clochettes, cymbales, shaker, tambourins, chimes). On est donc en plein dans un hommage à la lettre à la musique de Coltrane. La set list l'est tout autant car, à l'exception d'une composition d'Isaiah Collier en guise de rappel (mais fortement sous influence), les six morceaux joués par le quartet sont tous associés au natif de Caroline du Nord. Que ce soit des compositions de Coltrane directement (Impressions, Tunji, Naima) ou des thèmes écrits par d'autres mais enregistrés, parfois de multiples fois, par lui (I Want To Talk About You de Billy Eckstine, Chim Chim Cheree de la bande originale de Mary Poppins, ou l'incontournable My Favorite Things de La Mélodie du Bonheur). Six titres "seulement", mais une approche là aussi à la manière de Coltrane dans ses enregistrements live, triturés, retournés, étendus, si bien que le groupe joue 1h45 d'une traite, sans même laisser un instant de répit entre chaque morceau. 

Les deux premiers morceaux du set, Impressions et Chim Chim Cheree sont pris très uptempo. Isaiah Collier fait preuve d'une puissance impressionnante, utilisant la respiration circulaire pour produire un continuum de notes qui emporte tout sur son passage. C'est clairement lui le leader, il porte le discours de bout en bout, et même quand il s'arrête quelques instants de souffler, il agite des percussions dans une veine très jazz spirituel qui rappelle les disques de Pharoah Sanders au tournant des années 60/70. Les sidemen, par contraste, semblent très en retrait, à l'exception de Tim Regis à la batterie qui trouve l'occasion à plusieurs reprises d'apporter une touche personnelle, ne cherchant pas juste à mimer les interventions d'Elvin Jones à l'époque. Peut-être que mon positionnement dans la salle, sur la droite de la scène, du côté de la batterie, accentue cet effet, mais j'ai trouvé a contrario le piano et la contrebasse beaucoup moins présents dans l'élaboration du son du groupe. Ils jouent bien entendu, mais plus souvent en support des deux autres que pour développer quelque initiative individuelle, et même leurs quelques solos sont tellement "à la manière de" qu'ils manquent un peu d'une voix singulière qui retiendrait l'attention. Il n'en est rien avec Isaiah Collier, dont la verve aussi bien au ténor qu'au soprano nous fait toucher du doigt la magie de la musique de Coltrane. Une musique à la fois fruit de son époque, le free jazz des roaring sixties, la lutte pour les droits civiques, la recherche d'une spiritualité universelle, mais qui touche à l'intemporel, tellement elle semble toujours aussi neuve, fraîche et aucunement datée. Soit la définition de l'art, à la fois contemporain de son époque et la transcendant. 

La ballade I Want To Talk About You ralentit le rythme mais ne réduit en rien l'intensité du saxophoniste dans ses interventions. Il impressionne par la qualité du chant qu'il déploie, nourrie d'une intériorité qu'il extériorise par une présence très prégnante du grain de son ténor. Tunji, écrite par Coltrane en hommage au percussionniste nigérian Babatunde Olatunji, trouve un registre médium où la puissance spirituelle de la musique s'impose d'elle même. Quand Naima puis My Favorite Things sont l'occasion de revenir sur les rythmes enlevés du début de concert, supports idéaux aux mélodies entêtantes de ces deux "tubes" du répertoire coltranien. En guise de rappel, Isaiah Collier indique que sa composition 30 pieces a été écrite en hommage à Coltrane, et cela s'entend et prolonge parfaitement une soirée riche en réjouissance, célébration à la hauteur de l'importance de l'artiste centenaire. 

The Necks @ Palác Akropolis, jeudi 17 septembre 2026

Premier concert depuis que je suis redevenu praguois, en début de mois. Avec l’ambition d’être plus productif dans mes compte-rendus de concerts que lors de mon premier séjour dans la capitale tchèque (2016-2022), certes marqué par une activité très réduite les dernières années en raison de la pandémie. Un seul concert chroniqué ainsi en 2021… mais c’était aussi le seul vu cette année-là. J’ai retrouvé un rythme plus régulier de parution depuis mon retour à Paris, que j’essaierai de maintenir pour les mois et années à venir. Afin de parler un peu de la scène tchèque, comme des artistes internationaux de passage. Et pour ce premier concert, ça commence down under avec les Australiens de The Necks. 

Ce n’est que la deuxième fois que je les vois en concert, après un passage dans le cadre de Banlieues Bleues en 2014. Après près de quarante ans de carrière (le trio s’est formé en 1987), leur réputation n’est plus à faire. Et leur approche de la musique semble immuablement la même : des morceaux au long cours, qui donnent l’impression, à première vue, de faire du sur-place, mais qui évoluent néanmoins subrepticement, au fur et à mesure, gagnant en densité de manière très maîtrisée, si bien que ce n’est qu’à la fin du morceau qu’on se rend vraiment compte du chemin parcouru. Ce concert praguois n’a pas fait exception à la règle : ils ont joué deux sets, soit deux morceaux d’une petite heure chacun. 

Le premier commence avec Chris Abrahams qui pose un simple motif au piano, courte mélodie vaguement naïve, un peu à la manière de Satie, répétée encore et encore. Il est vite rejoint par Lloyd Swanton à la contrebasse qui complète le discours harmonique du pianiste par quelques incises boisées. Le début du morceau n’est ainsi qu’un duo, et il faudra attendre un moment certain pour que Tony Buck se décide à frapper ses peaux et rejoindre ses acolytes afin de vraiment commencer l’inéluctable crescendo qui fait se mouvoir la musique de The Necks vers un horizon marqué du sceau de la densité du son. Car, en effet, il ne s’agit pas tant d’un crescendo rythmique, la vitesse du morceau reste assez semblable du début a la fin, que d’un sentiment de présence de plus en plus enveloppante de la musique, comme si les motifs répétitifs étaient là pour nous hypnotiser et qu’à force on se retrouvait au cœur du trio, comme sur scène, sans n’avoir pour autant quitté sa chaise. 

Même approche, mais avec quelques différences, pour le deuxième set. Cette fois-ci c’est à Tony Buck que revient l’honneur d'ouvrir le morceau par un motif répétitif qui le parcourra tout du long. Comme lors du premier set, Lloyd Swanton alterne les passages en pizzicato et à l’archet, et lors de ces derniers, la combinaison de la paire rythmique donne parfois l’impression de vrombir tel un drone. A tel point qu’on se demande parfois s’il n’y a pas quelque instrument caché tellement le son ne semble pas simplement venir d’un trio piano, basse, batterie. S’il n’est pas là pour déployer de longues chevauchées improvisées, Chris Abrahams semble un peu plus libre de s’affranchir d’un motif unique sur ce deuxième morceau, ce qui lui permet d’apporter de légères variations qui participent à l’intérêt de leur performance : au sein d’un cadre esthétique bien défini, les combinaisons différentes que les trois musiciens s’autorisent permettent de garder toute sa fraîcheur à leur musique. Et les deux sets de ce concert praguois, par les rôles inversés de Chris Abrahams et de Tony Buck entre les deux parties, l’auront démontré de fort belle manière. 

Chicago Underground Duo / SML @ Fundação Calouste Gulbenkian, dimanche 9 août 2026

Déjà le dernier jour de Jazz em Agosto. Comme la veille, deux concerts sont programmés. Tout d’abord, à 18h30, dans l’auditorium de la fondation, Rob Mazurek et Chad Taylor ont poursuivi une aventure au long cours, entamée il y a presque trois décennies. Le premier disque du Chicago Underground Duo est en effet paru en 1998 (enregistré en 1997). Depuis, ils continuent de jouer régulièrement ensemble, dans ce format en duo comme dans des ensembles plus larges (trio, quartet ou plus). Je les avais ainsi vus lors de l’édition 2013 du festival lisboète, avec Pharoah Sanders et les deux orchestres « Underground » de Rob Mazurek rassemblés pour l’occasion : le Chicago Underground donc, et le São Paulo Underground. Treize ans plus tard, c’est la cellule souche de tous ces ensembles qui se produit donc. Et ils n’ont finalement besoin de personne d’autre pour nous entraîner loin avec eux. Chad Taylor est un batteur essentiel de la scène jazz contemporaine depuis les années 90, et sa prestation d’hier soir a largement démontré pourquoi. Avec un format instrumental resserré, son drumming est nécessairement plus mis en avant que dans des orchestres pour fournis. Son jeu a été une réjouissance de tous les instants. Grondements sourds, roulements puissants, polyrythmies explosives, même quand il passe un instant à la kalimba, sa sonorité nous captive. 

Sur cette base rythmique au groove obsédant, Rob Mazurek ajoute différents ingrédients. Puissants solos de trompette à plein pavillon, tels des hymnes à chanter à tue-tête. Beats électroniques et modulations synthétiques qui démultiplient l’intensité rythmique pourtant déjà bien présente. Incantations vocales et chapelet de clochettes qui semblent convoquer quelque esprit frappeur. Trompette en sourdine pour soudainement faire surgir une mélodie nocturne, presque apaisée. Spoken word déclamé avec véhémence. Les registres sont variés, mais l’excellence demeure quelque soit le moyen employé. L’excitation monte même d’un cran quand une silhouette s’avance avec un saxophone sous le bras : un invité surprise, pas annoncé au programme, mais pas n’importe lequel, James Brandon Lewis en personne qui vient souffler sur les braises pour allumer un feu spirituel dont il a le secret. On sait que Chad Taylor est le batteur de son quartet, et qu’ils jouent également souvent en duo, ce qui explique sans doute sa présence alors qu’il n’est pas à l’affiche du festival par ailleurs. Une très belle surprise, prolongée le temps d’un rappel, qui finit de faire de ce concert un souvenir qui restera longtemps en mémoire. 

Le dernier concert du festival, à 21h30 dans les jardins de la fondation, est la deuxième occasion pour moi de voir SML sur scène cette année, six mois après leur passage parisien par Sons d’hiver. Il y a nécessairement moins d’effet de surprise que la précédente fois, je sais quelque part à quoi m’attendre, mais leur capacité à créer des ambiances hypnotiques, changeantes au fur et à mesure de leurs longues plages improvisées (60 minutes d’une traite hier soir, avant un rappel d’une vingtaine de minutes complémentaires), fait toujours son effet. On retrouve ainsi avec plaisir cet amalgame de rythmes digitaux et synthétiques créés par Jeremiah Chiu avec le drumming si inventif de Booker Stardrum (quel nom prédestiné pour un batteur !), véritable propulseur de la « machine » SML. À cela, il faut ajouter la basse obsédante d’Anna Butterss, les « loops humaines » de Gregory Ulhmann à la guitare et les motifs répétitifs et filtrés de Josh Johnson au sax alto. Leur musique cherche clairement à créer des ambiances, il n’y a pas vraiment de mélodie, ne semble pas y avoir de vrai début ni de fin aux morceaux, ce sont juste des modulations autour de propositions rythmiques évolutives, dans un cousinage assumé avec les musiques électroniques ou le minimalisme. La recherche du « groove » sert de boussole, et une fois celui-ci atteint, chacun semble libre d’ajouter sa touche pour peu à peu conduire la musique dans une autre direction. C’est une musique qui se déploie sur la durée, condition nécessaire à l’abandon de soi pour ne plus que se laisser porter par le beat, comme dans un état second. Une conclusion idéale à la programmation impeccable de Jazz em Agosto, dont une caractéristique assez générale (en tout cas pour la majorité des concerts auxquels j’aurai assisté) était cette année l’imbrication naturelle entre rythmes acoustiques et ceux issus des machines. En cela, SML est sans doute une des propositions les plus réjouissantes et abouties sur la scène contemporaine, par-delà les questions de classification par genre musical.