Schemes Quartet @ Café Husovka, mercredi 4 novembre 2026

Pas tout à fait rassasié par la riche programmation berlinoise, à peine rentré à Prague, j’ai remis ça pour un concert découverte. Je ne connaissais en effet pas ce groupe avant le concert, si ce n’est la batteuse Veslemøy Narvesen pour l’avoir entendue… à Berlin, lors de l’édition 2025 du Jazzfest au sein du groupe d’Amalie Dahl, Dafnie Extended. Sa présence est ce qui m’a motivé à me rendre dans ce café de la vieille ville de Prague qui organise occasionnellement des concerts de jazz dans une arrière salle, et dont le nom rappelle que la chapelle de Bethléem où prêchait Jan Hus au XVe siècle est juste à deux pas. 

Le Schemes Quartet est un groupe issu de la riche scène norvégienne, dont l’impact sur la scène jazz européenne est bien supérieur à la modeste taille de la population du pays nordique. Les quatre musiciens, pas encore trentenaires, se sont rencontrés pendant leurs études à Trondheim. Trois norvégiens et un danois (le pianiste) qui jouent une musique aux sources multiples, aussi bien américaines qu’européennes, avec cette habitude particulièrement nordique d’une alliance naturelle de mélodies chantantes imparables et d’un engagement dans l’instant qui se nourrit aussi des leçons de la free music. Outre Veslemøy Narvesen à la batterie, on trouve Bendik Løland Lundsvoll à la contrebasse, Oliver Skou-Due au piano et Brede Sørum au sax alto. Une instrumentation assez classique, dont ils savent parfaitement exploiter les possibles par un engagement permanent au service de leurs compositions originales, marquées par une véritable densité du son, qui nous parvient non amplifié, à l’exception de la contrebasse, dans cette salle de taille modeste. 

La sonorité de Brede Sørum à l’alto est particulièrement entraînante, se situant toujours sur une ligne de crête entre linéarité du déroulement mélodique et véhémence plus saccadée du lâcher-prise. Le drumming de Veslemøy Narvesen est parfait pour pimenter les mélodies déployées par ses camarades. C’est sans doute elle qui a le jeu le plus ouvert, le moins attendu, qui agrémente son rôle rythmique de breaks et virgules multiples qui amplifient la musique et lui donne un aspect moins linéaire. Ils semblent donc les deux leaders naturels du groupe, et se sont d’ailleurs eux qui interviennent entre les morceaux pour parler au maigre public présent - peut-être une vingtaine de personnes, mais Veslemøy Narvesen se réjouit de leur présence indiquant qu’ils pensaient qu’il n’y aurait que deux spectateurs ce soir-là. Le pianiste et le contrebassiste ne sont néanmoins pas en reste, même si sans doute moins hors cadre que le saxophoniste et la batteuse dans leur jeu, car ce sont en effet eux qui signent la majorité des compositions d’un groupe qui ressemble donc bien plus à une coopérative associant les talents de chacun qu’à un groupe en support d’un soliste. 

Ils ont déjà sorti un premier disque en 2024 sur Jazzland, le label fondé voilà trente ans par Bugge Wesseltoft et qui continue à documenter, avec d’autres (Rune Gramofon, Sauajazz, Odin, Hubro…), la scène norvégienne dans toutes ses dimensions, bien au-delà de la hype electro-jazz de la fin des 90s. Ils devraient sortir leur deuxième disque au printemps 2027, et nous en donnent la primeur à travers une nouvelle composition à l’énergie bouillonnante qui nous donne envie d’y revenir et d’en découvrir plus dans quelques mois. Après Isaiah Collier il y a moins d’un mois, c’est le deuxième groupe de musiciens qui n’ont pas encore trente ans que je vois en concert en peu de temps, ce qui infirme le sentiment que j’ai parfois de vieillir avec les musiciens de ma génération, découverts il y a une vingtaine d’années quand ils étaient jeunes comme moi, et que je continue à suivre sur scène. Ça fait du bien de voir la vitalité de cette musique qu’on nomme jazz malgré tout, toujours riche de promesses en devenir.

Jazzfest Berlin 2026, 4e soir, dimanche 1er novembre 2026

Georg Gräwe, Brad Jones, Hamid Drake @ Haus der Berliner Festspiele, 18h30

La dernière soirée du festival commence par la performance d’un rare trio, puisqu’il ne s’agit que de leur deuxième concert ensemble, après une première en 2024 au festival Konfrontanionen de Nickelsdorf, en Autriche. Ce premier concert a fait l’objet d’un disque, qui a donné l’envie aux programmateurs du Jazzfest de remettre en lumière l’association du pianiste allemand, résident viennois, avec les deux Américains. Gräwe et Drake avaient eu l’occasion de jouer ensemble à la fin des 90s dans le quartet “chicagoan” du pianiste, mais ce format équilatéral est encore tout frais. De mon côté, ce n’est que la deuxième fois que j’ai l’occasion d’entendre le pianiste en concert, plus de dix ans après la première, à Saalfelden en 2015. La musique jaillit de son clavier telle un torrent frais, constamment renouvelée, marquée par la vitesse d’exécution. Il égrène les chapelets de notes de manière ininterrompue, sur un mode assez constant d’un bout à l’autre du concert. Peu de variations, mais un flot continu qui provoque une sorte d’hypnose chez l’auditeur. En contrepoint, Hamid Drake propose lui un discours très varié, percussionniste coloriste plus que batteur tenant le rythme, relançant constamment l’attention par des virgules soniques inattendues. Au centre, Brad Jones crée le liant entre ces approches en apparence contradictoires, proposant des phrases et des phases qui alternent discours propre et nécessité d’ancrer la pulsation pour former un tout. Le trio improvise deux longues suites, conservant un aspect très équilatéral, il ne s’agit absolument pas d’un piano soliste soutenu par une paire rythmique, mais bien d’une conversation équilibrée de trois voix indépendantes, nourries par l’écoute mutuelle. Une leçon de musique improvisée.

Ganavya @ Haus der Berliner Festspiele, 20h00

La chanteuse américaine d’origine tamoule s’est établie depuis peu à Berlin. C’est donc à nouveau une artiste locale qui est mise à l’honneur sur la grande scène, après Mariá Portugal, Camila Nebbia ou Christian Lillinger les jours précédents. Elle a également accouché récemment - il y a sept semaines précise-t-elle alors que son mari fait une brève apparition sur scène avec leur fille dans les bras - et c’est son premier concert depuis cet événement (si l’on excepte son apparition vendredi pour un morceau aux côtés d’Immanuel Wilkins). Pour l’occasion, elle est accompagnée par la harpiste Miriam Adefris et le contrebassiste Sebastian Singwald. Un soutien minimaliste, car ce qui est mis en valeur chez Ganavya, c’est la pureté de sa voix, marquée par la pratique des traditions vocales d’Inde du Sud. C’est la deuxième fois que je la vois sur scène, après son passage à Banlieues Bleues il y a deux ans. Et mon impression est assez concordante : c’est magnifique au début, quand on se laisse happer par les mélopées typiques de la musique carnatique, mais sur la longueur, on se lasse un peu car le registre est quand même assez uniforme. L’accompagnement musical très en retrait n’aide pas à relancer l’attention et le passage du tamil (j’imagine) au début à l’anglais sur la fin laisse se dissiper l’aura mystique des sonorités étrangères qui nous avait accroché l’oreille à l’origine. 

Globe Unity Orchestra @ Haus der Berliner Festspiele, 21h30

Oui, vous avez bien lu, il s’agit de l’historique orchestre d’Alexander von Schlippenbach dont le festival célèbre les 60 ans ! La première de cet ensemble pionnier de la free music européenne a en effet eu lieu lors de l’édition 1966 du festival berlinois ! Le 4 novembre exactement, donc il s’agit de l’anniversaire quasi exact. Bien sûr, le line up n’est plus tout à fait le même soixante ans plus tard, mais on retrouve néanmoins deux participants qui étaient déjà présents sur la scène de la Philharmonie à l’époque : Alexander von Schlippenbach lui-même, 88 ans tout de même, au piano et Manfred Schoof, 90 printemps, à la trompette. Pour l’occasion ils sont entourés par quatorze musiciens, de diverses générations, qui ont croisé la route du pianiste sous une forme ou sous une autre au cours de sa carrière. Il y a ainsi les historiques George Lewis au trombone, Evan Parker au sax soprano ou Paul Lytton à la batterie. Les fidèles Rudi Mahal aux clarinettes et Axel Dörner à la trompette (vus avec Schlippenbach il y a vingt ans pour son projet Monk’s Casino !). Ou encore Daniel Erdmann au sax tenor, Henrik Walsdorff au sax alto, Tomasz Dabrowski et Kasper Tranberg aux trompettes, Christof Thewes et Gerhard Gschlössl aux trombones, Antonio Borghini à la contrebasse, Dag Magnus Narvesen à la batterie et, la seule femme de l’orchestre (la révolution était encore une affaire très masculine à l’époque), Aki Takase qui joue à quatre mains avec son mari sur l’unique piano. Non sans humour, le programme du soir est intitulé Apokalyptische Nabelschau, soit nombrilisme apocalyptique en v.f. Une manière de mettre à distance cette célébration trop officielle et patrimoniale d’un ensemble qui a ouvert la voie à de nombreux orchestres européens par la suite (à commencer par le London Jazz Composers Orchestra mis à l’honneur lors de l’édition précédente du festival). On retrouve les ingrédients attendus d’un tel concert, une musique ample, sauvage, qui impressionne par sa puissance dans les passages a tutti, mais qui laisse aussi l’occasion à chacun ou presque de briller quelques instants dans des solos enfiévrés. A l’occasion, Aki Takase se lève pour guider de gestes énergiques l’orchestre, sans que celui-ci n’en ait sans doute réellement besoin, mais cela marque son engagement à servir la musique de son mari, qui apparaît marqué par le poids des ans, s’avançant sur scène à l’aide d’une béquille, puis voûté au dessus de son clavier pendant toute la durée du concert… jusqu’à ce que, miracle de la musique, il ne se lève à son tour pour guider l’ensemble vers l’apocalypse sonore finale qui fait se lever le public comme un seul homme. Historique !

Ches Smith’s Clone Row @ Quasimodo, 22h30

Contrairement à la veille, j’arrive à temps au Quasimodo pour pouvoir suivre le concert du groupe de Ches Smith dans son intégralité. Je retrouve ce groupe moins de trois mois après les avoir vus à Lisbonne. Mon compte-rendu avait été assez mitigé, alors pourquoi y retourner ? Pour voir si l’environnement différent, dans l’espace confiné d’un club, me faisait percevoir la musique différemment, et puis parce que je ne peux pas être dans la même ville que Mary Halvorson et laisser passer l’occasion de la voir à nouveau sur scène (la 31e fois !). Le premier morceau confirme plutôt mon ressenti de l’été, avec des beats digitaux très agressifs sur lesquels les musiciens semblent avoir un peu de mal à trouver leur place. Mais, une fois ce premier morceau passé, ma perception change du tout au tout, et la suite du concert est des plus convaincantes. L’interaction entre machines et instruments est plus équilibrée, les deux s’interpénètrent avec originalité pour déboucher sur une fusion où il est parfois difficile de définir d’où viennent les sons. L’environnement - gros son, public debout, espace cloisonné - aide à mieux se laisser porter par la musique, qui n’était sans doute pas faite pour le cadre certes magnifique de l’amphithéâtre lisboète mais trop ouvert aux quatre vents. Nick Dunston, dont c’est la troisième apparition lors du festival après sa participation aux ensembles d’Alexander Hawkins et de Camila Nebbia, impose sa puissance groovante aux sonorités anguleuses des machines, quand les cordes emmêlées de Mary Halvorson et Liberty Ellman créent distorsions et courses poursuites ensorceleuses qui nous retournent la tête. Ches Smith, à la batterie comme au vibraphone, accumule les rythmes pour répondre aux beats digitaux, voire les supplante totalement sur la fin, laissant entrevoir une matière plus composée qui devrait faire l’objet d’un second disque du groupe à paraître début 2027. Conclusion enthousiasmante d’un festival à nouveau parfait en tout point, à la programmation qui allie ancrage local et ambition globale, respect des figures historiques et opportunités pour les nouvelles voix, servi par une sonorisation toujours parfaitement adéquate. On reviendra ! 

Jazzfest Berlin 2026, 3e soir, samedi 31 octobre 2026

Christian Lillinger’s Open Form For Society @ Haus der Berliner Festspiele, 18h30

Voici un groupe à l’instrumentation des plus originales. Le batteur leader est ainsi entouré par trois bassistes (Petter Eldh, Jonas Westergaard, Ole Morten Vågan), un vibraphoniste (Christopher Dell) et… cinq claviers ! Anna D’Erricco et Cory Smythe sont au piano, Kaja Draksler au célesta, Elias Stemeseder au synthé et Georg Vogel au clavinet. Kaja Draksler et Elias Stemeseder alternant également au piano droit. J’étais assez curieux de pouvoir entendre ça. La musique puise à plusieurs sources, des musiques électroniques au minimalisme, mais dans une approche beaucoup moins systématique que ces inspirations pourraient laisser penser. Les passages a tutti, quand l’empilement des claviers procure comme un halo harmonique mouvant, où les sons électriques et acoustiques s’emmêlent, débouchent sur une sorte de transe instable qui ne laisse pas deviner vers où elle évolue. Le batteur berlinois dirige de quelques gestes pour indiquer les changements de direction, afin de ne pas perdre ses camarades dans ce maelström rythmique dont les résonances ne permettent pas toujours de savoir de quel instrument la musique provient. Le propos gagnerait sans doute à être plus ramassé parfois. Il ne s’agit pas d’un set d’une traite, il y a des pauses et donc des “morceaux” bien délimités, mais ceux-ci traînent parfois en longueur et on a l’impression que les musiciens ne savent pas toujours comment les terminer, étirant le propos au-delà du raisonnable. Cela dilue par conséquent un propos pourtant convaincant en son cœur, faute de donner une forme plus intelligible aux auditeurs. 

Tomeka Reid Quartet @ Haus der Berliner Festspiele, 20h00

On va dire que je ne suis pas objectif et que la présence de Mary Halvorson dans ce groupe altère mon jugement, mais quelle musique ! C’est absolument fabuleux de bout en bout. Tout est parfait : les compositions, la cohésion du groupe, les voix individuelles, jusqu’à la sonorisation qui fait des merveilles. Les ingénieurs du son de la Festspiele ont restitué de la manière la plus adéquate possible toutes les beautés du quartet de la violoncelliste chicagoane. Chaque instrument est très clairement audible, on arrive à suivre leurs contributions individuelles quelques soient les combinaisons sonores. La contrebasse de Jason Roebke “chante” formidablement quand nécessaire, ancre la pulsation avec détermination à d’autres moments, et à chaque fois on l’entend suffisamment distinctement. Tomas Fujiwara démontre sa science habituelle, quelques soient les registres, des balais très swing, presque a l’ancienne, du premier morceau, aux colorations percussives plus contemporaines de la suite. La guitare de Mary Halvorson offre un contrepoint électrique et juste ce qu’il faut distordu aux notes bleutées qui émanent du violoncelle de Tomeka Reid. Là aussi, leurs sonorités singulières sont parfaitement restituées et toujours parfaitement audibles. Ce groupe a désormais une belle longévité (ils jouent ainsi le répertoire de leur quatrième album en commun), et leur complicité pour servir les compositions de la violoncelliste fait plaisir à entendre. Sur le deuxième morceau du set, je me mets même à trouver quelques résonances avec Bar Kokhba, le sextet qui a sublimé le répertoire de Masada. Une mélodie vaguement orientale, quelques espagnolades, et la complémentarité entre violoncelle, guitare, contrebasse, batterie qui rappelle le line-up (partiel) du sextet zornien. C’est dire le niveau d’excellence. Une heure parfaite, à côtoyer la beauté comme rarement, pour un des meilleurs concerts de l’année. 

Chicago Underground Duo @ Haus der Berliner Festspiele, 21h30

Moins de trois mois après les avoir vus à Lisbonne, je retrouve Rob Mazurek et Chad Taylor pour une nouvelle présentation de leurs explorations electro-acoustiques primordiales. Le répertoire est assez similaire, on retrouve les hymnes tirés de leur plus récent album, mais avec suffisamment d’engagement dans les improvisations pour que ce ne soit pas juste une redite. Le drumming de Chad Taylor répond aux sons synthétiques générés par Rob Mazurek à l’aide de quelques machines pour faire monter des grooves imparables qui donnent envie de danser dans sa tête comme dirait l’autre. À la trompette comme à la trompette picolo, Mazurek pose des solos puissants qui orientent la musique vers un but, au-delà de la seule transe rythmique. Il crie, agite des clochettes, psalmodie un texte, donnant un aspect mystique, comme issue d’une secrète confrérie syncrétique, à ses interventions. C’est peut-être là la raison du succès, et de la longévité, de ce groupe, dans la manière d’agencer le plus naturellement l’ancestral et le contemporain, l’improvisation et la rigidité des machines, le nord et le sud (kalimba de Chad Taylor et influences brésiliennes où Mazurek a longtemps vécu). Une alliance syncrétique des contraires apparents qui semble refléter le plus justement l’état de nos sociétés actuelles. En parlant aussi bien au corps qu’à l’esprit. 

Ingebrigt Håker Flaten (Exit) Knarr @ Quasimodo, 22h30

Il était un peu ambitieux de penser pouvoir combiner ma présence à l’heure au Quasimodo avec les concerts du soir de la grande salle de la Festspiele. Le Chicago Underground Duo termine son set à 22h45, et le temps de rejoindre le club de l’autre côté du Ku’damm, j’arrive alors que le concert du groupe à géométrie variable du bassiste norvégien est déjà bien entamé. Mais je ne voulais absolument pas manquer ce concert vues les forces en présence, et comme ils poussent leur set jusqu’à minuit, j’ai quand même le droit à une bonne heure d’une musique féroce. Sur la petite scène du Quasimodo, un peu entassés les uns sur les autres, on retrouve aux côtés d’Ingebrigt Håker Flaten à la contrebasse, Olaf Olsen à la batterie, Jonathan F. Horne et Karl Bjorå aux guitare (ce dernier déjà présent jeudi aux côtés de Karoline Wallace au même endroit), Karl Hjalmar Nyberg au sax tenor, et surtout Amalie Dahl aux sax alto et baryton et Marta Warelis au piano, les deux jeunes femmes étant ma principale source de motivation pour assister à ce concert. Et je ne fus pas déçu, tellement elles ont illuminé la performance du groupe à chacune de leurs interventions. La musique d’Ingebrigt Håker Flaten allie la puissance rythmique entêtante d’un groupe de rock aux développements incontrôlés du free jazz le plus féroce. A ce petit jeu, Marta Warelis intervient en véritable sorcière des claviers, capable d’égrener des déluges de notes en apparence aléatoires, mais qui collent si parfaitement à l’ambiance générale, que ce côté aléatoire n’est évidemment en rien fortuit. Chacun de ses solos explose complètement le cadre et apporte une dimension sauvage particulièrement réjouissante qu’on prend avec encore plus de plaisir en club, à quelques mètres d’intervalle. Amalie Dahl n’est pas en reste et déroule elle aussi des solos brûlants sur ses saxophones, en solitaire, ou accompagnée par Karl Hjalmar Nyberg au tenor dans quelques joutes sonores surpuissantes. A d’autres moments, se sont les guitaristes qui prennent la musique à leur compte, pour quelques interventions pyrotechniques, avant que l’ensemble ne retombe comme par magie sur ses pattes, avec la contrebasse du leader qui martèle le rythme de manière très appuyée pour faire monter le groove. La musique parfaite pour une fin de soirée, pour un concert debout, en club, qui n’aurait sans soute pas la même énergie dans une plus grande salle. 

Jazzfest Berlin 2026, 2e soir, vendredi 30 octobre 2026

Camila Nebbia Large Ensemble @ Haus der Berliner Festspiele, 18h30

Comme la veille, c’est à une résidente berlinoise d’origine sud-américaine que revient l’honneur de lancer la soirée sur la grande scène de la Festspiele. La saxophoniste argentine Camila Nebbia présente pour l’occasion la première d’une œuvre écrite pour un grand ensemble, The darkness, overwhelming and imposing, compelled me to light my own fires, qui s’inspire de l’histoire de son arrière grand-père, émigré libanais en Argentine. Autour du ténor de la compositrice, on retrouve quelques noms connus au sein de la section rythmique (Kit Downes au piano et à l’orgue, Nick Dunston à la contrebasse et Lesley Mok à la batterie), mais surtout beaucoup de découvertes dans le reste de l’orchestre : les cordes de Maria Reich (violon), Joanna Mattrey (alto) et Julia Biłat (violoncelle), le trombone de Weston Olencki, la guitare de Arne Braun et les machines de Ludwig Wandinger. L’ensemble est complété par un dispositif vidéo, où l’on retrouve une expression picturale abstraite propre à Camila Nebbia, souvent utilisée sur les pochettes de ses disques. La pièce, unique, se déploie sur une heure. L’écriture, imagée, s’empare avec bonheur de la plasticité de l’orchestre, alternant les registres, mais avec une volonté constante de faire sens comme un tout. C’est ambitieux et pour tout dire très réussi. On reste captivé de bout en bout, aussi bien dans les passages atmosphériques jouant sur les textures que dans les solos qui irriguent la composition - de Camila Nebbia elle-même, mais aussi d’Arne Braun à la guitare, Joanna Mattrey à l’alto, Weston Olencki au trombone ou Kit Downes aux claviers entre autres. A chaque fois, il ne s’agit pas tant d’un morceau de bravoure individuelle que d’une contribution pertinente à la pièce prise dans son ensemble. Il y a également une inventivité constante de Lesley Mok à la batterie, variant les modes, surlignant ici, apportant un contrepoint là, confirmant tout le bien que je pensais déjà d’elle après l’avoir déjà vue auprès de Théo Girard comme d’Anna Webber. On connaissait jusque là Camila Nebbia pour sa sonorité au tenor et son goût pour l’improvisation dans de petits ensembles. Le concert de ce soir nous a révélé une grande compositrice !

Amir ElSaffar New Quartet @ Haus der Berliner Festspiele, 20h00

Le trompettiste chicagoan d’origine irakienne Amir ElSaffar a assemblé il y a quelques années un quartet pour poursuivre sa quête d’une musique irriguée tout autant par la tradition du maqam que par celle du jazz. Le groupe a publié récemment un disque live, enregistré… à Berlin, dans la Pierre Boulez Saal. Il y a donc une certaine logique à les retrouver sur la scène du festival d’une ville qui leur est indirectement associée. Sont présents les mêmes musiciens que sur le disque, à savoir le saxophoniste tenor norvégien Ole Mathisen, la pianiste grecque Tania Giannouli et l’indispensable Tomas Fujiwara à la batterie. La musique d’Amir ElSaffar fait la part belle à la microtonalité, et le piano de Tania Giannouli a ainsi été réaccordé pour lui permettre de se fondre dans les harmonies de la musique orientale. Le mariage des deux traditions est rendu possible par la transcendance de chacune d’entre elles. On retrouve ainsi des harmonies qui évoquent le Levant, mais complètement intégrées à un language nourri par les approches contemporaines des musiques improvisées occidentales. Les morceaux au long cours nous emportent avec eux, portés par une intensité remarquable de chaque interprète, à commencer par le leader à la trompette, mais aussi aux vocalises sur la fin du concert, tel un chanteur soufi porté par sa dévotion mystique. Une musique qui prend toute sa dimension en concert tellement elle s’incarne dans l’interprétation du moment présent. 

Immanuel Wilkins Quartet @ Haus der Berliner Festspiele, 21h30

Ce concert fait un peu office de session de rattrapage pour moi, ou de deuxième chance. J’avais en effet vu une première fois le quartet du saxophoniste alto Immanuel Wilkins l’année dernière à Radio France, mais j’étais sorti un peu dubitatif du concert, et ne l’avais par conséquent pas chroniqué. Une musique un peu trop à sens unique à mon goût, trop virtuose, sur un registre trop uniforme, véloce et puissante. Ça manquait de quelques moments de respiration. On retrouve le jeu tout en tension du quartet dans ce concert berlinois, avec une sonorisation qui m’a semblé à nouveau poussée à la limite (surtout flagrante sur le piano et l’orgue de Micah Thomas), mais cette fois-ci les registres ont été plus variés, s’autorisant des passages moins enlevés qui apportaient ce qui avait manqué la première fois, de l’air. Ainsi du premier  morceau du concert, où le quartet a accueilli la chanteuse Ganavya (berlinoise, et à l’affiche du festival dimanche) pour quelques vocalises d’inspiration carnatique qui apportaient un contrepoint lumineux à la vélocité du leader. Ainsi d’une morceau plus apaisé en cours de concert qui interrompt le déluge de notes et de rythmes qui fait par ailleurs la marque de fabrique d’Immanuel Wilkins et de ses acolytes. Ces moments de respiration permettent de mieux apprécier qu’il y a un an la densité des morceaux uptempo. Héritier d’une tradition qui remonte à Charlie Parker, Immanuel Wilkins actualise les sinuosités échevelées du bop, bien aidé par une rythmique puissante et très présente, servie par Ryoma Takenaga à la contrebasse et Kweku Sumbry à la batterie. C’est impressionnant, il est vrai, mais la nuance et les contrastes ont du bon parfois. 

Otomo Yoshihide New Jazz Quintet @ Haus der Berliner Festspiele, 23h00

Pour le dernier concert de la soirée, on quitte la grande salle pour se retrouver dans une salle aménagée dernière la scène principale. Finis les fauteuils, c’est debout que le public nombreux vient prendre de plein fouet le free jazz bruitiste de la légende japonaise. Otomo Yoshihide a reformé depuis quelques années son New Jazz Quintet qui avait officié au tournant du millénaire (1999-2004). On retrouve les fidèles Mizutani Hiroaki à la contrebasse et Yoshigaki Yasuhiro à la batterie. Les soufflants ont eux été renouvelés, avec Ruike Shinpei à la trompette et le local de l’étape, le saxophoniste alto américain mais berlinois Chris Pitsiokos. L’idée de base du groupe n’a pas changé, il s’agit de jouer à fond une musique directement issue des grandes heures du free jazz des 60s, entremêlant compositions originales et reprises de morceaux associés à Ornette Coleman ou Eric Dolphy principalement. Aucune annonce ne sera faite pour savoir quels sont les morceaux joués. Sans certitude, le premier morceau m’a évoqué les sonorités chères à Charlie Haden. Un autre morceau au cours du set m’a semblé tiré d’Out To Lunch d’Eric Dolphy. Et le rappel, à la demande de quelqu’un dans le public était Eureka, un morceau de Jim O’Rourke qui est au répertoire du groupe depuis longtemps. Comme Immanuel Wilkins précédemment, il s’agit ici aussi d’une musique puissante, basée sur la dépense d’énergie de ses interprètes, mais la plus grande variété orchestrale d’une part, et les passages bruitistes dont le guitariste nippon a le secret d’autre part, donnent un relief plus escarpé aux morceaux qui en maintient l’intérêt sur la durée. L’engagement constant de chacun nous emporte avec eux, on ressort épuisé mais heureux de ce genre de performance, et d’avoir eu la chance de voir de si près ce groupe mythique à la présence rare.

Jazzfest Berlin 2026, 1er soir, jeudi 29 octobre 2026

Mariá Portugal’s Erosão Percussion Trio @ Haus der Berliner Festspiele, 18h00

L’édition 2026 commence avec une artiste locale. Si elle est brésilienne d’origine, la batteuse Mariá Portugal a en effet élu résidence dans la capitale allemande depuis quelques années. C’est ainsi sur un label local, Fun in the church, qu’elle a publié en 2021 un premier album sous son nom, Erosão. Elle y confrontait les belles mélodies issues de la tradition de la chanson brésilienne avec une approche instrumentale plus expérimentale, aussi bien nourrie de free jazz que de bruitages électroniques. L’idée de départ n’était pas sans rappeler la démarche d’un Arto Lindsay, bien que le rendu en soit en bien des points différents. A la suite de la parution de ce disque, Mariá Portugal a décliné l’approche en différents groupes afin d’en prolonger le geste. C’est la version percussive qui se produit en ouverture du festival. Mariá Portugal est ainsi entourée de deux autres batteurs, Emiliano Gordoa, qui manipule également quelques beats électroniques, et Burkhard Beins, qui lui ajoute occasionnellement une basse électrique à sa panoplie. Loin d’une avalanche de rythmes enlevés, le trio propose plutôt un parcours à travers des paysages escarpés, alternant les bruissements à bas bruit et les bruitages plus touffus. Sur ce tapis rythmique loin d’être uniforme, Mariá Portugal chante, en portugais, des mélodies fragiles qui accentuent l’effet de contraste au cœur de son approche musicale. 

A la suite de cette première prestation, un film d’une vingtaine de minutes réalisé lors de l’édition précédente du festival est projeté. Il témoigne d’une semaine d’ateliers mêlant musiciens professionnels, amateurs, danseurs, enfants du quartier de Moabit. On y retrouve ainsi les musiciens qui s’étaient produits sur scène en préambule du concert de Pat Thomas l’année dernière, parmi lesquels Joel Grip ou Michael Griener notamment. Une bonne manière de passer le relais entre les deux éditions du festival, nous rappelant que Mariá Portugal était également de cette dernière soirée de l’édition 2025, au sein du Fire! Orchestra de Mats Gustafsson. 

Anthony Braxton Septet @ Haus der Berliner Festspiele, 19h45

L’événement de cette première soirée, c’est la création d’une nouvelle composition d’Anthony Braxton, basée sur un nouveau langage dont le multi-anchiste chicagoan a le secret. Pour l’occasion, trois saxophonistes et trois tubistes font face au compositeur sur scène. De gauche à droite, le fidèle James Fei à l’alto et au sopranino, Berlinde Deman au tuba, Silke Eberhard à l’alto, Fanny Méteier au tuba, Anna Webber au tenor et Matthew Bookers au tuba. Si parmi les tubistes, je ne connais que Fanny Méteier (aperçue dans l’ONJ de Sylvaine Hélary notamment), c’est un vrai plaisir de retrouver les trois saxophonistes : James Fei déjà entendu auprès de Braxton lors de l’édition 2015 de Sons d’hiver, Silke Eberhard dont les disques, en trio ou avec Potsa Lotsa, tournent régulièrement sur ma platine, et Anna Webber dont le concert à Lisbonne cet été a été un des sommets de l’année. Braxton lui-même n’empoigne que parcimonieusement un soprano, se contentant la plupart du temps du rôle de chef d’orchestre pour conduire ses collaborateurs à travers sa nouvelle composition. Vu l’instrumentarium rassemblé, tout n’est qu’une question d’air et de souffle. Pas à plein poumon néanmoins, plutôt dans un registre retenu, du domaine de l’infrason, où il s’agit d’entendre l’air circuler entre les pupitres avant même de percevoir les notes. Des mélodies fantomatiques se glissent de-ci de-là dans la composition, entourées par l’air circulant et les obstacles électroniques issus d’un laptop. On retrouve les préoccupations esthétiques de Braxton telles que j’avais déjà pu les entendre lors de quatre précédents concerts, mais c’est la première fois que les instruments à vent ne sont pas “complétés” par une autre sonorité (une guitare à la Villette en 2005, à Lisbonne en 2013 ou à Sons d’hiver en 2015, un accordéon à Prague en 2021). 

Alexander Hawkins’s Willow Music @ Haus der Berliner Festspiele, 21h15

Les deux premiers concerts de la soirée ont proposé une musique marquée par une certaine retenue. C’est donc avec un vrai effet de contraste que commence le troisième. Le pianiste britannique Alexander Hawkins a en effet assemblé une sorte de petit big band, qui s’inspire très clairement de toute une tradition du jazz pour grand ensemble, et peut-être avant tout des suites de Duke Ellington. En plus du pianiste qui, à la manière de Braxton précédemment, se concentre plus sur son rôle de chef d’orchestre que d’instrumentiste, ils sont dix sur scène. Nick Dunston à la contrebasse et Stephen Davis à la batterie forment la paire rythmique qui ancre l’ensemble dans un swing constant. Chelsea Carmichael (sax tenor et flute), Tom Challenger (sax alto, clarinette et flute), Marco Colonna (clarinette), George Crowley (clarinette basse et sax tenor) et Alicia Gardener-Trejo (flute et clarinette basse) forment un quintet à vent, assis en première ligne, qui ouvre la musique vers des développements free et contemporains. Matthias Müller (trombone), Charlotte Keeffe (trompette) et Olivia Hughes (tuba) servent de lien entre la rutilance propre à la tradition et les dérèglements contrôlés qui irriguent l’écriture d’Alexander Hawkins. Découvert il y a une quinzaine d’années au sein du Convergence Quartet (avec Taylor Ho Bynum, Dominic Lash et Harris Eisenstadt ), le pianiste britannique a depuis lors construit patiemment une carrière des plus intéressantes, publiant de nombreux disques en leader sur le label suisse Intakt, dans des formats très variés (solo, duos, trio ou ensembles plus fournis), qui en font une des voix à suivre sur la scène jazz actuelle. Pour ce concert, il propose une sorte de big band désarticulé, qui s’inspire clairement des références du passé, sans s’y réduire complètement néanmoins. Ainsi de cet étonnant passage en quintet à vent seulement qui pourrait se retrouver dans un programme de musique contemporaine. Ainsi du contraste entre une paire rythmique qui assure le groove et des soufflants qui multiplient les discours non coordonnés. On reste à bonne distance d’une écriture trop classique (on n’a ainsi pas à faire à une succession de solos soutenus par la machine cuivrée), mais qui n’oublie néanmoins pas d’où elle puise sa source. On sait également le goût pour les musiques africaines du pianiste (collaborateur de Louis Moholo-Moholo notamment), et on n’est donc pas surpris quand le dernier morceau s’appuie sur une rythmique afrobeat que n’aurait pas renié Fela. Little big band kaleidoscopique qu’on aimerait pouvoir retrouver sur disque afin d’avoir l’occasion de mieux pénétrer son riche programme.

Karoline Wallace’s Eon @ Quasimodo, 22h30

Après les concerts de la grande salle de la Festspiele, la première soirée se termine dans la cave plus intimiste du Quasimodo. Pour l’occasion, la chanteuse norvégienne Karoline Wallace est venue avec le groupe responsable de son plus récent disque, Eon, paru sur le nouveau label norvégien qui monte, Sauajazz. Aux côtés de la chanteuse, on trouve ainsi Signe Emmeluth au sax alto, à la flûte et aux machines, Karl Bjorå à la guitare, Joel Ring au violoncelle et Martin Langlie à la batterie et occasionnellement au banjo et aux machines. Le passage du disque à la scène accentue la sauvagerie et l’énergie de la musique. A quelques mètres de distance, on est ainsi frappé par l’intensité avec laquelle ils jouent, quand le disque mettait l’accent sur les contrastes. La voix de Karoline Wallace n’est en effet pas du genre à hurler. Elle susurre de douces mélodies, articule des chansons (en norvégien) qui semblent plus folk que punk. Et, si elle conserve une certaine douceur dans son approche sur scène, ses compagnons d’arme sont eux dans une approche beaucoup plus débridée, à commencer par Signe Emmeluth, particulièrement intense au saxophone. La saxophoniste danoise avait eu les honneurs de la grande scène lors de l’édition précédente du festival, et c’est un vrai plaisir de pouvoir la retrouver dans ce contexte plus brut de décoffrage, où elle laisse exploser tout son potentiel expressif. La confirmation qu’on tient là une de ces nouvelles voix qui comptent sur la scène jazz européenne. Grand concert ! 

Isaiah Collier plays Coltrane @ Divadlo Dobeška, vendredi 16 octobre 2026

Quelques semaines après la date précise (le 23 septembre), le jeune saxophoniste chicagoan Isaiah Collier, 28 ans à peine, est sur la scène d'un petit théâtre de quartier du sud de Prague pour célébrer le centenaire de John Coltrane. Pour l'occasion, il se présente à la tête d'un quartet afin d'évoquer la formation la plus associée à la discographie du grand homme. Pour l'accompagner on trouve ainsi Liya Grigoryan au piano, Conway Campbell à la contrebasse et Tim Regis à la batterie, le leader alternant saxophones ténor et soprano, ainsi que quelques percussions (clochettes, cymbales, shaker, tambourins, chimes). On est donc en plein dans un hommage à la lettre à la musique de Coltrane. La set list l'est tout autant car, à l'exception d'une composition d'Isaiah Collier en guise de rappel (mais fortement sous influence), les six morceaux joués par le quartet sont tous associés au natif de Caroline du Nord. Que ce soit des compositions de Coltrane directement (Impressions, Tunji, Naima) ou des thèmes écrits par d'autres mais enregistrés, parfois de multiples fois, par lui (I Want To Talk About You de Billy Eckstine, Chim Chim Cheree de la bande originale de Mary Poppins, ou l'incontournable My Favorite Things de La Mélodie du Bonheur). Six titres "seulement", mais une approche là aussi à la manière de Coltrane dans ses enregistrements live, triturés, retournés, étendus, si bien que le groupe joue 1h45 d'une traite, sans même laisser un instant de répit entre chaque morceau. 

Les deux premiers morceaux du set, Impressions et Chim Chim Cheree sont pris très uptempo. Isaiah Collier fait preuve d'une puissance impressionnante, utilisant la respiration circulaire pour produire un continuum de notes qui emporte tout sur son passage. C'est clairement lui le leader, il porte le discours de bout en bout, et même quand il s'arrête quelques instants de souffler, il agite des percussions dans une veine très jazz spirituel qui rappelle les disques de Pharoah Sanders au tournant des années 60/70. Les sidemen, par contraste, semblent très en retrait, à l'exception de Tim Regis à la batterie qui trouve l'occasion à plusieurs reprises d'apporter une touche personnelle, ne cherchant pas juste à mimer les interventions d'Elvin Jones à l'époque. Peut-être que mon positionnement dans la salle, sur la droite de la scène, du côté de la batterie, accentue cet effet, mais j'ai trouvé a contrario le piano et la contrebasse beaucoup moins présents dans l'élaboration du son du groupe. Ils jouent bien entendu, mais plus souvent en support des deux autres que pour développer quelque initiative individuelle, et même leurs quelques solos sont tellement "à la manière de" qu'ils manquent un peu d'une voix singulière qui retiendrait l'attention. Il n'en est rien avec Isaiah Collier, dont la verve aussi bien au ténor qu'au soprano nous fait toucher du doigt la magie de la musique de Coltrane. Une musique à la fois fruit de son époque, le free jazz des roaring sixties, la lutte pour les droits civiques, la recherche d'une spiritualité universelle, mais qui touche à l'intemporel, tellement elle semble toujours aussi neuve, fraîche et aucunement datée. Soit la définition de l'art, à la fois contemporain de son époque et la transcendant. 

La ballade I Want To Talk About You ralentit le rythme mais ne réduit en rien l'intensité du saxophoniste dans ses interventions. Il impressionne par la qualité du chant qu'il déploie, nourrie d'une intériorité qu'il extériorise par une présence très prégnante du grain de son ténor. Tunji, écrite par Coltrane en hommage au percussionniste nigérian Babatunde Olatunji, trouve un registre médium où la puissance spirituelle de la musique s'impose d'elle même. Quand Naima puis My Favorite Things sont l'occasion de revenir sur les rythmes enlevés du début de concert, supports idéaux aux mélodies entêtantes de ces deux "tubes" du répertoire coltranien. En guise de rappel, Isaiah Collier indique que sa composition 30 pieces a été écrite en hommage à Coltrane, et cela s'entend et prolonge parfaitement une soirée riche en réjouissance, célébration à la hauteur de l'importance de l'artiste centenaire. 

The Necks @ Palác Akropolis, jeudi 17 septembre 2026

Premier concert depuis que je suis redevenu praguois, en début de mois. Avec l’ambition d’être plus productif dans mes compte-rendus de concerts que lors de mon premier séjour dans la capitale tchèque (2016-2022), certes marqué par une activité très réduite les dernières années en raison de la pandémie. Un seul concert chroniqué ainsi en 2021… mais c’était aussi le seul vu cette année-là. J’ai retrouvé un rythme plus régulier de parution depuis mon retour à Paris, que j’essaierai de maintenir pour les mois et années à venir. Afin de parler un peu de la scène tchèque, comme des artistes internationaux de passage. Et pour ce premier concert, ça commence down under avec les Australiens de The Necks. 

Ce n’est que la deuxième fois que je les vois en concert, après un passage dans le cadre de Banlieues Bleues en 2014. Après près de quarante ans de carrière (le trio s’est formé en 1987), leur réputation n’est plus à faire. Et leur approche de la musique semble immuablement la même : des morceaux au long cours, qui donnent l’impression, à première vue, de faire du sur-place, mais qui évoluent néanmoins subrepticement, au fur et à mesure, gagnant en densité de manière très maîtrisée, si bien que ce n’est qu’à la fin du morceau qu’on se rend vraiment compte du chemin parcouru. Ce concert praguois n’a pas fait exception à la règle : ils ont joué deux sets, soit deux morceaux d’une petite heure chacun. 

Le premier commence avec Chris Abrahams qui pose un simple motif au piano, courte mélodie vaguement naïve, un peu à la manière de Satie, répétée encore et encore. Il est vite rejoint par Lloyd Swanton à la contrebasse qui complète le discours harmonique du pianiste par quelques incises boisées. Le début du morceau n’est ainsi qu’un duo, et il faudra attendre un moment certain pour que Tony Buck se décide à frapper ses peaux et rejoindre ses acolytes afin de vraiment commencer l’inéluctable crescendo qui fait se mouvoir la musique de The Necks vers un horizon marqué du sceau de la densité du son. Car, en effet, il ne s’agit pas tant d’un crescendo rythmique, la vitesse du morceau reste assez semblable du début a la fin, que d’un sentiment de présence de plus en plus enveloppante de la musique, comme si les motifs répétitifs étaient là pour nous hypnotiser et qu’à force on se retrouvait au cœur du trio, comme sur scène, sans n’avoir pour autant quitté sa chaise. 

Même approche, mais avec quelques différences, pour le deuxième set. Cette fois-ci c’est à Tony Buck que revient l’honneur d'ouvrir le morceau par un motif répétitif qui le parcourra tout du long. Comme lors du premier set, Lloyd Swanton alterne les passages en pizzicato et à l’archet, et lors de ces derniers, la combinaison de la paire rythmique donne parfois l’impression de vrombir tel un drone. A tel point qu’on se demande parfois s’il n’y a pas quelque instrument caché tellement le son ne semble pas simplement venir d’un trio piano, basse, batterie. S’il n’est pas là pour déployer de longues chevauchées improvisées, Chris Abrahams semble un peu plus libre de s’affranchir d’un motif unique sur ce deuxième morceau, ce qui lui permet d’apporter de légères variations qui participent à l’intérêt de leur performance : au sein d’un cadre esthétique bien défini, les combinaisons différentes que les trois musiciens s’autorisent permettent de garder toute sa fraîcheur à leur musique. Et les deux sets de ce concert praguois, par les rôles inversés de Chris Abrahams et de Tony Buck entre les deux parties, l’auront démontré de fort belle manière. 

Chicago Underground Duo / SML @ Fundação Calouste Gulbenkian, dimanche 9 août 2026

Déjà le dernier jour de Jazz em Agosto. Comme la veille, deux concerts sont programmés. Tout d’abord, à 18h30, dans l’auditorium de la fondation, Rob Mazurek et Chad Taylor ont poursuivi une aventure au long cours, entamée il y a presque trois décennies. Le premier disque du Chicago Underground Duo est en effet paru en 1998 (enregistré en 1997). Depuis, ils continuent de jouer régulièrement ensemble, dans ce format en duo comme dans des ensembles plus larges (trio, quartet ou plus). Je les avais ainsi vus lors de l’édition 2013 du festival lisboète, avec Pharoah Sanders et les deux orchestres « Underground » de Rob Mazurek rassemblés pour l’occasion : le Chicago Underground donc, et le São Paulo Underground. Treize ans plus tard, c’est la cellule souche de tous ces ensembles qui se produit donc. Et ils n’ont finalement besoin de personne d’autre pour nous entraîner loin avec eux. Chad Taylor est un batteur essentiel de la scène jazz contemporaine depuis les années 90, et sa prestation d’hier soir a largement démontré pourquoi. Avec un format instrumental resserré, son drumming est nécessairement plus mis en avant que dans des orchestres pour fournis. Son jeu a été une réjouissance de tous les instants. Grondements sourds, roulements puissants, polyrythmies explosives, même quand il passe un instant à la kalimba, sa sonorité nous captive. 

Sur cette base rythmique au groove obsédant, Rob Mazurek ajoute différents ingrédients. Puissants solos de trompette à plein pavillon, tels des hymnes à chanter à tue-tête. Beats électroniques et modulations synthétiques qui démultiplient l’intensité rythmique pourtant déjà bien présente. Incantations vocales et chapelet de clochettes qui semblent convoquer quelque esprit frappeur. Trompette en sourdine pour soudainement faire surgir une mélodie nocturne, presque apaisée. Spoken word déclamé avec véhémence. Les registres sont variés, mais l’excellence demeure quelque soit le moyen employé. L’excitation monte même d’un cran quand une silhouette s’avance avec un saxophone sous le bras : un invité surprise, pas annoncé au programme, mais pas n’importe lequel, James Brandon Lewis en personne qui vient souffler sur les braises pour allumer un feu spirituel dont il a le secret. On sait que Chad Taylor est le batteur de son quartet, et qu’ils jouent également souvent en duo, ce qui explique sans doute sa présence alors qu’il n’est pas à l’affiche du festival par ailleurs. Une très belle surprise, prolongée le temps d’un rappel, qui finit de faire de ce concert un souvenir qui restera longtemps en mémoire. 

Le dernier concert du festival, à 21h30 dans les jardins de la fondation, est la deuxième occasion pour moi de voir SML sur scène cette année, six mois après leur passage parisien par Sons d’hiver. Il y a nécessairement moins d’effet de surprise que la précédente fois, je sais quelque part à quoi m’attendre, mais leur capacité à créer des ambiances hypnotiques, changeantes au fur et à mesure de leurs longues plages improvisées (60 minutes d’une traite hier soir, avant un rappel d’une vingtaine de minutes complémentaires), fait toujours son effet. On retrouve ainsi avec plaisir cet amalgame de rythmes digitaux et synthétiques créés par Jeremiah Chiu avec le drumming si inventif de Booker Stardrum (quel nom prédestiné pour un batteur !), véritable propulseur de la « machine » SML. À cela, il faut ajouter la basse obsédante d’Anna Butterss, les « loops humaines » de Gregory Ulhmann à la guitare et les motifs répétitifs et filtrés de Josh Johnson au sax alto. Leur musique cherche clairement à créer des ambiances, il n’y a pas vraiment de mélodie, ne semble pas y avoir de vrai début ni de fin aux morceaux, ce sont juste des modulations autour de propositions rythmiques évolutives, dans un cousinage assumé avec les musiques électroniques ou le minimalisme. La recherche du « groove » sert de boussole, et une fois celui-ci atteint, chacun semble libre d’ajouter sa touche pour peu à peu conduire la musique dans une autre direction. C’est une musique qui se déploie sur la durée, condition nécessaire à l’abandon de soi pour ne plus que se laisser porter par le beat, comme dans un état second. Une conclusion idéale à la programmation impeccable de Jazz em Agosto, dont une caractéristique assez générale (en tout cas pour la majorité des concerts auxquels j’aurai assisté) était cette année l’imbrication naturelle entre rythmes acoustiques et ceux issus des machines. En cela, SML est sans doute une des propositions les plus réjouissantes et abouties sur la scène contemporaine, par-delà les questions de classification par genre musical. 

Pat Thomas / Tomas Fujiwara’s Dream Up @ Fundação Calouste Gulbenkian, samedi 8 août 2026

Pour sa programmation du week-end, Jazz em Agosto double la mise. Ainsi, avant le concert de 21h30 dans l’amphithéâtre extérieur, un autre rendez-vous est proposé à 18h30, cette fois-ci dans l’un des auditoriums intérieurs de la fondation. C’est la deuxième fois en l’espace de quelques mois que je vois le pianiste britannique Pat Thomas pour un concert en solo, après son passage par le Jazzfest Berlin en novembre dernier. Peut-être que je généralise mon propre ressenti, mais j’ai l’impression qu’il a une sorte de reconnaissance, tardive, à l’international, notamment depuis sa participation au quartet [ahmed] (aux côtés de Seymour Wright, Antonin Gerbal et Joel Grip), alors qu’il a déjà l’âge d’être un vétéran de la free music européenne. À Berlin, il était arrivé sur scène en boitant, s’appuyant difficilement sur une canne pour rejoindre le piano. Cette fois-ci, c’est même en fauteuil roulant qu’il s’avance, poussé par un assistant. Il commence néanmoins au quart de tour, à peine installé sur le tabouret du piano, alors que son assistant n’a pas encore fini de ranger le fauteuil sur le côté de la scène. Pas de temps mort dans les sets de Pat Thomas (c’était pareil à Berlin), la musique jaillit en continu, même les pauses entre les morceaux sont réduites au strict minimum. Le pianiste britannique vit intensément son art, pas nécessairement sur la longueur (quarante-cinq minutes plus un court rappel), mais sans accorder le moindre espace à quelques fioritures inutiles. 

Contrairement à son concert berlinois, Pat Thomas se « contente » de jouer sur les touches en ivoire. Pas d’intervention directement dans les cordes ni sur le cadre, il déroule son set en jouant selon la « norme », ou presque. On notera tout de même une corde préparée dans les aigus, sur le quatrième morceau, mais pour le reste son inventivité s’exprime autrement. Les morceaux qu’il interprète ont chacun leur couleur particulière. Très blues pour le premier, avec un groove presque dansant sur le deuxième , telle une mécanique bien huilée à la Nancarrow pour le troisième… sans pour autant se départir d’un langage hérité du free jazz qui laisse toute la place au goût de la surprise, aux clusters dissonants, aux résonances harmoniques construites par une succession rapide de notes moins aléatoires qu’il n’y parait au premier abord. Au-delà du free jazz, Pat Thomas a une dette évidente envers Thelonious Monk. Le plus récent disque du quartet [ahmed] lui est d’ailleurs consacré et, comme à Berlin, il interprète une composition de son illustre prédécesseur en guise de rappel, de manière très ramassée, sur une petite minute seulement, le temps de citer le thème et de le prolonger par quelques accords puissants au cœur de son propre langage. 

À 21h30, dans les jardins de la fondation, on retrouve un musicien déjà vu à plusieurs reprises lors des précédentes éditions de Jazz em Agosto (et à de nombreuses autres occasions), l’un de mes favoris depuis quasiment deux décennies désormais. Pour l’occasion, Tomas Fujiwara propose une formule inédite (juste entendue sur disque) avec son quartet percussif auteur du beau Dream Up (Out Of Your Head Records, 2025). Par rapport au disque, le line up est néanmoins renouvelé à moitié. Si on retrouve le leader à la batterie et Kaoru Watanabe aux tambours taiko (les tambours traditionnels japonais) et à la flûte shinobue (petite flûte traversière en bambou), le groupe est complété par Kweku Sumbry au ngoni, balafon, djembe et timbales et Ches Smith, de retour sur scène après son concert de la veille, au vibraphone et occasionnellement aux congas. Avec un groupe centré sur les percussions, on pourrait s’attendre à un déluge rythmique incessant déployé jusqu’à l’épuisement. Il n’en est rien, et Tomas Fujiwara propose au contraire une musique basée sur l’écoute mutuelle, qui laisse beaucoup de place à la retenue (à tel point qu’on a parfois l’impression que les sons des animaux nocturnes, batraciens, oiseaux ou autres insectes, font partie de la musique - en tout cas ils ne sont pas toujours recouverts), et qui ne cherche pas la « performance » démonstrative. De manière assez illustrative, les morceaux sont d’ailleurs relativement courts. 

S’il y a bien entendu des passages à quatre, chacun frappant ses percussions de manière simultanée, ce n’est pas l’essentiel du propos, et Fujiwara laisse beaucoup de place à ses compagnons pour briller en solo ou en duo. Le registre est plus souvent medium qu’à pleine puissance. Par ailleurs, le groupe n’est pas purement percussif. Kaoru Watanabe intervient régulièrement à la flûte shinobue, à la sonorité douce et fragile, et Kweku Sumbry au ngoni. Les deux chantent aussi à l’occasion, évoquant des traditions ancestrales que leurs origines laissent paraître, japonaises pour l’un, ouest-africaines pour l’autre. C’est ainsi, me semble-t-il, la première fois que Tomas Fujiwara convoque une musique qui rappelle une part de son héritage personnel, comme son nom de famille le suggère. Mais sans en faire un programme, plutôt comme un ingrédient parmi d’autres, au service d’une vision élargie des possibles des instruments percussifs. Ches Smith, au vibraphone, ajoute bien souvent une dimension mélodique à son jeu, à base de motifs simples, presque naïfs, qui s’insèrent néanmoins dans les passages a tutti comme une couche essentielle de la résonance harmonique permise par l’accumulation des rythmes et textures. Ce qui ressort à la fin du concert, c’est donc avant tout la dimension de compositeur de Fujiwara, pleine de maîtrise pour permettre de faire vibrer les peaux harmonieusement, sans se laisser déborder par l’excitation rythmique qui pourrait facilement prendre le pas dans un tel contexte. Et c’est d’autant plus réjouissant en live, quand la vue complète l’écoute. 

Ches Smith’s Clone Row @ Fundação Calouste Gulbenkian, vendredi 7 août 2026

Un concert en demi-teinte, pour tout dire. Des musiciens pourtant grandement appréciés, mais quand la musique n’est pas aussi « géniale » que celle à laquelle ils nous ont habitués, la déception pointe le bout de son nez. Sur le papier, le quartet assemblé par Ches Smith (batterie, vibraphone) avait pourtant tout pour me plaire, avec la présence de Nick Dunston à la contrebasse et Liberty Ellman et Mary Halvorson aux guitares. Mais le parti pris esthétique du leader pour ce groupe m’a laissé un peu dubitatif par moment. La première impression a été peut-être trop décisive, mais je suis resté de marbre, comme extérieur à la musique, lors du premier morceau. Comme pour la majorité des morceaux du concert, Ches Smith commence par lancer une sorte de boîte à rythme digitale aux sonorités peu plaisantes, qu’il complète par son jeu percussif à la batterie et au vibraphone, changeant régulièrement d’instrument sans du coup laisser le temps à un discours véritablement construit de se déployer. Ses acolytes entrent progressivement en jeu, mais sans donner l’impression que le morceau n’aille véritablement quelque part. Ça ressemble alors à un exercice de style assez vain. Le deuxième morceau me rassure, me laissant penser que le premier n’était peut-être qu’un tour de chauffe avant l’entrée dans le vif du sujet. La complémentarité des deux guitares fait son effet, dans un jeu de course poursuite aux multiples distorsions qu’on attend forcément vues les forces en présence. Pourtant, la suite du concert fait resurgir les doutes face à ce qui semble être un choix esthétique assumé, mais qui ne me parle pas. Les beats digitaux lancés par Ches Smith et les interventions de Nick Dunston à l’aide d’une sorte de joystick pour retraiter les sons émis par ses partenaires font trop écran pour moi et m’empêchent de rentrer pleinement dans la musique. Je ne suis pas contre par principe l’intervention d’éléments électroniques dans un cadre improvisé, comme les concerts des deux précédents soirs l’ont illustré à merveille, mais cette fois-ci j’ai le sentiment que la sauce ne prend pas complètement et les morceaux me donnent l’impression de faire du sur place. 

La seconde partie de concert corrige heureusement un peu le tir, et les quatre/cinq derniers morceaux me parlent plus. Peut-être que je m’habitue à la musique et que je suis capable d’aller y chercher les éléments qui me plaisent le plus. Ce sont surtout les deux guitaristes qui, à ce jeu-là, me réjouissent et semblent décider à faire décoller les morceaux par leur capacité à prendre le discours à leur compte et donner enfin le sentiment que la musique « avance ». Ches Smith, aussi, prend plus le temps, au vibraphone ou à la batterie, mais pas aux deux simultanément, et propose un discours qui semble plus construit. On retrouve ainsi sa réjouissante capacité à propulser un morceau tout en maintenant des breaks qui relancent constamment l’attention. Ça décolle enfin ! Dommage qu’il ait fallu attendre 45 minutes… ce qui est trop long pour dissiper complètement le goût d’inachevé à la sortie du concert. Je me demande si le cadre du concert - en plein air - ne faisait pas lui aussi un peu écran. C’est une musique qui demanderait peut-être à être écoutée dans un espace plus restreint, debout, le corps prêt à répondre à une démarche plus centrée sur le rythme que sur les mélodies ou les harmonies. Tout n’était heureusement pas à jeter, mais mes attentes étaient peut-être trop fortes, et je n’ai pas pu me défaire de ce léger goût de déception, au final. 

Anna Webber’s Shimmer Wince @ Fundação Calouste Gulbenkian, jeudi 6 août 2026

Parmi les cinq soirées de l’édition 2026 de Jazz em Agosto pour lesquelles j’ai pris des places, le concert d’Anna Webber est sans doute celui qui me motivait le plus, a priori, à faire le voyage. Non que les autres soirées n’étaient elles aussi alléchantes, mais l’album du quintet de la saxophoniste et flûtiste canadienne (Shimmer Wince, Intakt Records, 2023) est à mes oreilles l’un des tous meilleurs disques de ces dernières années, et en plus je n’avais encore jamais eu l’opportunité d’entendre Anna Webber en concert. J’ai l’impression qu’elle est assez discrète de ce côté-ci de l’Atlantique, et elle confirme en tout cas pendant le concert que c’est la première fois qu’elle vient à Lisbonne. C’est aussi la première fois que je vois la violoncelliste Mariel Roberts, quant aux autres ils me sont un tout petit peu plus familiers : ainsi de Lesley Mok à la batterie, vue en novembre dernier aux côtés de Théo Girard, ainsi d’Elias Stemeseder aux synthétiseurs, vu à deux reprises à Berlin, en solo en 2018 et aux côtés de Felix Henkelhausen en 2025, ainsi enfin d’Adam O’Farrill à la trompette, vu trois fois aux côtés de Mary Halvorson, dont une précédente fois à Lisbonne en 2019. 

La musique d’Anna Webber, si elle emprunte à différentes techniques compositionnelles qu’on peut reconnaître à tel ou tel moment, conserve néanmoins un aspect complètement inédit, très original, qui en fait tout l’intérêt. On peut y entendre des traces de musique répétitive quand un même motif semble répété ad lib. par un instrumentiste, mais elle prend alors le contrepied par des breaks soudains qui réorientent les morceaux ou suspendent le temps d’un silence une mécanique trop bien huilée. On peut y voir transparaître un attrait pour les tourneries rythmiques chères à Steve Coleman quand les instruments « solistes » (saxophone, trompette, violoncelle) ancrent finalement plus le rythme que la batterie, qui peut alors se permettre une expression plus coloriste et sur la retenue. On y retrouve un goût pour des mélodies inexorables qui semblent avancer toutes seules à travers un champ rythmique extrêmement dense, fait de multiples couches, et qui est un peu la marque de fabrique de la scène brooklynienne contemporaine. On y constate également une certaine réhabilitation des sons synthétiques, bien loin néanmoins des gimmicks trop datés des années 80, qui confrontent les sons des instruments acoustiques à des sonorités moins « propres ». Si Elias Stemeseder intervient essentiellement dans le rôle de la basse, il fait jaillir de-ci de-là des phrases qui évoquent de loin l’un de ses glorieux compatriotes adeptes des claviers en tous genres, Joe Zawinul. Tout cela donne une musique extrêmement riche, au déroulé difficile à prévoir, qui garde par conséquent une grande fraîcheur par le goût constant de la surprise qu’elle réserve. Le répertoire, déployé sur 90 minutes, alterne les morceaux qui apparaissaient sur le disque du groupe et de nouvelles compositions encore inédites. De quoi espérer un nouvel album, qui permettra de se replonger à l’envi dans ces compositions labyrinthiques qu’une seule écoute ne saurait épuiser. Cette musique est tellement riche qu’il faut y retourner encore et encore pour l’apprécier à sa juste valeur. Peut-être consciente de cela, Anna Webber propose en rappel de rejouer un des morceaux déjà joués pendant le concert (le premier, m’a-t-il semblé), promettant que ça sera néanmoins complètement différent. Car, si l’architecture compositionelle est essentielle à cette musique, elle conserve néanmoins toute la fraîcheur de l’improvisation, servie par des musiciens qui en font l’actualité sur cette dernière décennie (grand passage en duo flûte / batterie niché au cœur du concert qui l’illustre à merveille). Concert très attendu, donc, qui aura grandement été au rendez-vous de ses promesses.

The Sleep Of Reason Produces Monsters @ Fundação Calouste Gulbenkian, mercredi 5 août 2026

Avec un tel nom, emprunté au titre d’une célèbre eau-forte de Goya, il ne faut pas s’attendre à un déroulé tranquille et linéaire. TSORPM commence ainsi à fond, par une furieuse explosion sonore où le sax alto de Mette Rasmussen et la trompette piccolo de Gabriele Mitelli produisent un hymne puissant à l’unisson, alors que Lukas König frappe de tout son poids sur sa batterie et que Mariam Rezaei prépare encore sa platine. Elle les rejoint rapidement pour “perturber” encore un peu plus le son produit à l’aide de scratches agressifs qui s’immiscent comme un virus sonore dans le son des instruments traditionnels. Ce quartet européen (une Danoise, un Italien, un Autrichien et une Anglaise) emmêle et démêle les genres, mais plutôt ceux sur la frange la plus extrême des musiques de notre temps : free jazz, illbient, punk, noise. Pourtant, tout n’est pas que bruit, et on se surprend à plus d’un tour à être entraîné par cette capacité qu’ils ont, l’air de rien, à ménager des montées en tension inexorables, à soutenir un rythme lourd qui fait hocher la tête mécaniquement, à déployer des mélodies “hymniesques” servies par la folle énergie des souffleurs. Le son des instruments acoustiques est amplifié, déstructuré, recomposé, perturbé, complété par divers dispositifs synthétiques. Outre les platines, Mariam Rezaei dispose d’un laptop devant elle. Gabriele Mitelli alterne entre trompette sur le devant de la scène et machines quand il vient s’installer aux côtés de la turntablist en fond de scène. Lukas König triture aussi une bass station et des synthés modulaires. Seule Mette Rasmussen se “contente” de son saxophone, si ce n’est un chapelet de clochettes qu’elle agite en fin de concert. 

Plus d’une fois, la sonorité de Gabriele Mitelli me fait penser à celle de Rob Mazurek. Ils partagent une même approche, où des mélodies puissantes déroulées à la trompette répondent à un tapis rythmique synthétique extrêmement dense. On n’est ainsi pas surpris d’apprendre qu’ils ont enregistré un disque ensemble, paru sur le label portugais Clean Feed. Des quatre musiciens présents ce soir, c’était le seul que je n’avais encore jamais vu sur scène. Mette Rasmussen et Mariam Rezaei faisaient partie du Fire! Orchestra de Mats Gustafsson vu sur scène en novembre dernier lors du Jazzfest Berlin. Quand à Lukas König, je l’avais découvert au sein de Kompost 3 à Saalfelden en 2015, avant de le revoir à deux reprises à Prague avec 5K HD (les mêmes que Kompost 3 plus la chanteuse Mira Lu Kovacs pour des chansons electro-pop-jazz de belle facture) et enfin en soutien de Moor Mother à Sons d’hiver en 2023. Un éclectisme musical encore élargi avec sa participation a TSORPM. 

Leur concert lisboète se tient d’une traite. 80 minutes d’un flot musical ininterrompu. Les registres varient néanmoins, chacun ne joue pas en continu, et les passages puissants a tutti alternent avec des plages plus sereines, qui soit mettent en valeur un soliste particulier (et à ce jeu-là, on apprécie surtout la profondeur de chant sprirituelle dont est capable le sax alto de Mette Rasmussen), soit créent des moments de répit où les sons synthétiques prennent le pas sur les instruments plus traditionnels pour déployer des plages ambient destinées à préparer la prochaine prise d’assaut sonore. Il y a tellement de moments intenses dans leur set, qu’on leur pardonne finalement facilement les quelques longueurs de-ci de-là qui s’immiscent dans leur musique. Le public ne se laisse ainsi pas prier pour leur réserver une standing ovation dès que la dernière note résonne dans le cadre enchanteur des jardins de la fondation Gulbenkian. Très peu de défections en cours de route, pour une musique qui n’est pourtant pas faite pour toutes les oreilles. Le public de Jazz em Agosto est habitué aux propositions aventureuses, et je me réjouis d’en faire partie pour une quatrième fois, après mes venues en 2013, 2018 et 2019. 

The Bad Plus @ New Morning, jeudi 16 juillet 2026

Reid Anderson et Dave King ont décidé de mettre fin à l'aventure de The Bad Plus. Pour l'occasion, ils ont entamé une dernière tournée mondiale qui s'achèvera chez eux, à Minneapolis, à la fin de l'année, et qui passait pour la dernière fois par Paris en ce mois de juillet. Formé en 2000, sous la forme d'un trio piano, contrebasse, batterie avec le renfort d'Ethan Iverson, le groupe qui se présente sur la scène du New Morning est un quartet. Après le départ d'Iverson en 2017, le groupe a d'abord continué sous le même format, avec l'arrivée d'Orrin Evans, avant qu'en 2021 le pianiste ne soit remplacé par Chris Speed et Ben Monder, respectivement au sax ténor et à la guitare. Leurs deux derniers disques ont ainsi été enregistrés avec le line up de cette tournée d'adieu, et la présence de Chris Speed dans le groupe avait alors, de mon côté, suscité un regain d'intérêt pour la musique de The Bad Plus. Je les avais vus trois précédentes fois en concert. Tout d'abord au Sunside, en 2003, au moment de la sortie de leur deuxième album, These Are The Vistas (Columbia, 2003), qui avait fait beaucoup pour leur exposition bien au-delà du cercle restreint des amateurs de jazz, propulsé par leur interprétation de tubes de la pop music comme Smells Like Teen Spirit de Nirvana ou Heart of Glass de Blondie. Pourtant, déjà à l'époque, cette hype cachait un peu la véritable valeur de ce groupe, à savoir, selon moi, la qualité d'écriture des compositions de ses membres. Je les avais revus deux ans plus tard, au Parc Floral, puis en 2015 à Jazz à la Villette, en sextet avec Tim Berne, Ron Miles et Sam Newsome pour réinterpréter Science Friction d'Ornette Coleman. Ornette que Reid Anderson et Dave King ont également honoré avec le groupe Broken Shadows, avec Tim Berne et... Chris Speed justement. 

La présence de Chris Speed et Ben Monder modifie nécessairement le son du groupe, mais on retrouve néanmoins la même qualité d'écriture des deux compères de la paire rythmique, la véritable signature sonore de The Bad Plus. On retrouve ainsi le caractère très imagé de leurs mélodies imparables, qui semblent autant emprunter à des gimmicks pop destinés à faire des tubes, qu'aux beautés fragiles de la simplicité ornettienne. Un entre-deux improbable qu'ils maintiennent constamment et qui donne un aspect à la fois plaisant et néanmoins inventif à leur écriture. Pour les interpréter, Reid Anderson à la contrebasse et Dave King à la batterie débordent du cadre rythmique, jouant sur les nuances et les digressions pour donner du relief aux morceaux. Dans ce contexte, Ben Monder et Chris Speed semblent prendre le contre-pied en proposant au contraire un jeu qui semble sur la retenue, dans un registre sonore medium toujours égal. On reconnaît immédiatement la patte sonore de Chris Speed au saxophone, faite d'interventions lancinantes, souvent planantes, qui s'incrustent dans l'oreille au fur et à mesure, sans esbrouffe inutile. On retrouve ainsi un cousinage avec ses propres groupes, le quartet Yeah No, le trio Iffy, mais aussi d'autres groupes marquants auxquels il a participé comme l'AlasNoAxis de Jim Black ou le Claudia Quintet de John Hollenbeck. Pas étonnant que les deux derniers groupes aient été menés par des batteurs, car c'est un peu ce qu'on retrouve avec The Bad Plus. Même si Dave King n'est pas la seule tête pensante du groupe, il a sans doute le rôle le plus prépondérant dans le qualité du rendu des morceaux. C'était sans doute amplifié par mon positionnement sur la droite de la scène ce jeudi, du côté où le batteur officiait. Mais c'est vraiment lui qui introduit le plus de variété dans son jeu et qui dynamise les mélodies que les autres servent de manière plus directe. Ben Monder semble plus discret, par caractère ou par nécessité, mais les quelques occasions où sa guitare était mise en avant démontrait son rôle souterrain mais essentiel pour densifier le propos. 

Les mélodies familières s'enchaînent pendant deux sets, régulièrement présentées par Reid Anderson en français, avant qu'il ne prenne plus longuement le micro à la fin du concert pour remercier particulièrement le public parisien. On le sent ému et sincère quand il dit qu'ils ont toujours reçu un accueil particulier dans cette ville et qu'il espère qu'ils auront d'autres occassions de revenir, dans de nouveaux formats. Dave King lui emboîte le pas, pour saluer à son tour le public, avant que celui-ci ne les rappelle par deux fois pour prolonger encore un peu le plaisir. 

49e Concours National de Jazz de La Défense @ La Seine Musicale, samedi 20 juin 2026

Pour des raisons budgétaires, le département des Hauts-de-Seine a décidé d'annuler cette année le festival de jazz de La Défense qui se tient tous les ans, gratuitement, sur le parvis de la Grande Arche. Si les organisateurs promettent que le festival sera de retour l'an prochain, l'exécutif départemental est moins définitif dans sa communication, espérant pouvoir le faire (ainsi que pour le festival Chorus, plus orienté chanson, qui se tient en mars) mais sans le garantir. Si le festival n'a pas lieu cette année, le département a néanmoins tenu à maintenir le Concours National de Jazz, qui existe depuis 1977, et qui est devenu une véritable institution par le tremplin qu'il a permis au fil des années pour des artistes devenus depuis des piliers de la scène française. Mais, faute de festival pour lui servir de cadre, il migre cette année des tours du quartier d'affaires vers l'île Seguin, sur le parvis de la Seine Musicale. Six groupes se succédaient ainsi sur la scène installée en plein air, chacun bénéficiant de 30 minutes de concert, avec un intermède de 15 minutes entre chaque set. Pour être sélectionnés, les groupes doivent déjà avoir un statut professionnel, mais ne pas avoir sorti leur premier disque ou EP depuis plus de 5 ans. Il s'agit donc de mettre en avant des musiciens déjà confirmés, mais encore en début de carrière. A la clé, un prix de 5 000€ pour le groupe vainqueur afin de l'aider dans la diffusion de sa musique, et une certaine exposition médiatique auprès des programmateurs hexagonaux. 

A 16h30, le Blackmany Trio a la lourde tâche de lancer le bal, alors que le public est encore clairsemé - il faut dire que la scène n'a pas encore projeté son ombre sur les quelques transats installés pour l'occasion, et les quelques spectateurs préfèrent s'abriter un peu en retrait, sous des tentes qui permettent d'atténuer l'effet de la chaleur. Le trio mené par le pianiste Daniel Andele, soutenu par le contrebassiste Félix Boucaud et le batteur Isaac Odiana, n'en prend pas ombrage, et déroule sa musique aux sonorités très américaines, dans le cousinage du trio de Robert Glasper par exemple. Les influences hip hop, nu soul ou gospel transpirent dans le jeu du trio. On n'est ainsi pas étonné de les entendre méler la ligne de basse d'Electric Relaxation d'A Tribe Called Quest aux harmonies du Maiden Voyage d'Herbie Hancock dans le précisément nommé Electric Voyage. Mais le trio est aussi européen, et francophone, comme l'illustre leur appropriation d'un tube de Stromae, Formidable, qui fonctionne très bien en format piano, basse, batterie. Le reste du set est constitué de compositions du pianiste, toujours sous fortes influences. L'un des groupes les plus "récents" de la sélection, si j'en crois le descriptif disponible sur le site du concours, qui demandera sans doute à mûrir encore un peu pour s'affranchir de ses références encore très explicites, mais qui produit déjà une musique qui met en avant le plaisir de l'écoute.

Le groupe suivant est un sextet au nom anglais, Who Parked The Car, qui résonne lui aussi d'une forte influence américaine. Mais plutôt à rechercher du côté du jazz fusion et de la funk des 80s. Sous la conduite du claviériste et chanteur, Thomas Salvatore, le groupe déploie des compositions qui malheureusement ne me parlent pas vraiment. Sans doute trop éloigné de mes propres bases esthétiques. Les saxophonistes Sebastian Munoz et Felix Reneault, le guitariste César Aouillé, le bassiste Ludovic Prieur et le batteur Malo Ropers complètent le groupe. Sans remettre en cause leur investissement, la musique ne me parle pas suffisamment, et des six propositions, c'est celle qui me plait le moins. 

L'effet de contraste avec le groupe suivant est fort. On est cette fois dans des territoires qui me parlent beaucoup plus. Oscar Bineau (sax alto et ténor), Robin Nitram (guitare) et Ewen Grali (batterie) forment le Trio Brume. Ils proposent une musique voyageuse, atmosphérique, qui n'oublie néanmoins pas le sens du relief. Ils déploient ainsi des paysages soniques où les zébrures électriques de la guitare répondent à un son de sax qui évoque, de loin, les envolées de Jan Garbarek, tandis que les roulements de la batterie résonnent de rythmes contrastés. Le groupe fait déjà preuve d'une grande maîtrise dans ses compositions, à la fois lyriques et avec une certaine retenue dans leurs effets. Cette année, en plus du prix décerné par le jury professionnel, un prix du public est proposé, et ce sont eux qui emportent mon vote. 

Contrairement aux trois précédents, le groupe suivant s'articulent autour de noms que je connais déjà. Ainsi de la saxophoniste et flutiste Léa Ciechelski, déjà vue au sein de l'ONJ ou du Discobole Orchestra. Ainsi également du claviériste Etienne Manchon. Ils sont accompagnés par la tromboniste Rose Dehors et par le batteur Théo Moutou, pour former le quartet Argentique. Leur musique allie le groove des claviers électriques aux développements plus contemporains des deux souffleurs, jouant sur les dynamiques et les effets de contrastes. Comme pour le groupe précédent, on est sur un terrain qui m'est familier et qui me plait bien. 

Vient ensuite GiGiGi, un trio franco-italien qui pourrait quasiment plus se produire dans un festival pop-rock que sur une scène jazz, même si les étiquettes ont depuis longtemps perdu tout sens et intérêt. Mené par la guitariste et chanteuse Teresa Bertoni, avec à ses côtés Anna Bouchet à la clarinette basse et Matteo Stefani à la batterie, le groupe propose des chansons, en italien ou en anglais, soutenus par des riffs puissants, des loops électros et un engagement communicatif. La fin de leur set propose deux pièces purement instrumentales, et je dois avouer que je préfère quand les voix se taisent. 

Dernier groupe a passé sur scène, le trio de Noé Huchard revient au format piano, contrebasse, batterie, avec respectivement Clément Daldosso et Donald Kontomanou pour ces deux derniers instruments. Fils du batteur Stéphane Huchard, fer de lance d'un hard bop moderne sur la scène parisienne dans les années 90-2000, Noé Huchard a déjà vu son exposition médiatique bien confirmée par contraste avec les autres groupes sélectionnés pour ce concours. Il vient ainsi de recevoir la Victoire du Jazz de la révélation. Sans compter que Donald Kontomanou est un batteur déjà établi depuis longtemps sur la scène parisienne. Quasiment l'impression qu'ils ne "boxent" pas dans la même catégorie que les autres. La musique s'inscrit pleinement dans l'histoire canonique du jazz, en héritage des grands noms des 50s et 60s, juste surlignée de rythmiques plus contemporaines. Ca joue bien, mais ça me parle finalement moins que les propositions du Trio Brume et d'Argentique, à l'écriture plus singulière. 

Après le passage des six groupes sélectionnés pour cette 49e édition, la soirée se poursuit avec AMG, quartet vainqueur de la précédente édition du concours. Le groupe est constitué d'Antoine Fleury au piano, Keïta Janota au sax, Anthony Jouravsky à la contrebasse et Mailo Rakotonanahary à la batterie. Ils ont droit à un set un peu plus long (45 minutes) qui leur permet de déployer leur musique, là aussi sous forte influence US, tendance jazz spirituel des 60s, leur nom étant d'ailleurs une référence à un concept forgé par Yusef Lateef. Ils ont clairement beaucoup écouté Coltrane et McCoy Tyner, mais ne se contentent pas d'une relecture à la lettre des grandes heures passées. On entend ainsi aussi un batteur nourri aux boucles du hip hop, et leur synthèse arrive à dépasser le cadre des références plus ou moins explicites grâce à l'engagement de tous les instants qu'ils mettent dans leurs compositions. Ce qui ressort en effet avant tout de leur set, c'est la force de frappe collective, plus que telle ou telle individualité, pour une musique dense, intense, qui va droit au but. On souhaite au lauréat de cette édition 2026 (qui sera annoncé demain, je mettrai à jour ce billet) d'avoir la même opportunité qu'eux pour pouvoir développer plus largement leur musique, puisqu'en plus de la rétribution financière, le prix intègre également une résidence à la Seine Musicale pour pouvoir accompagner le déploiement et la diffusion. La soirée se terminait avec un concert de Léon Phal auquel je n'ai pas assisté, déjà largement rassasié par les près de quatre heures de musique entendues dans la journée. 

[Edit 22/06] Palmarès 

Lauréats 2026 : GiGiGi

Instrumentiste : Noé Huchard

Coup de cœur du jeune jury : Argentique

Coup de cœur du public : Trio Brume