Wayn Traub - N.Q.Z.C. @ Théâtre de la Ville, vendredi 9 novembre 2007

Le Théâtre de la Ville donne à voir ces jours-ci la création mondiale de la nouvelle pièce de Wayn Traub, N.Q.Z.C. J'y étais hier soir. Le metteur en scène flamand, à travers cette pièce, propose l'aboutissement d'un processus de création intitulé Arkiologi. Pendant plusieurs mois, Traub et sa troupe de comédiens ont expérimenté, à la Toneelhuis d'Anvers, de nouvelles formes d'expression théâtrale qui enrichissent aujourd'hui sa mise en scène.

Le titre de la pièce est un sigle phonétique qui fait référence à l'Inquisition. Ritualiste, le théâtre de Wayn Traub abonde en références religieuses - visuelles, thématiques. Aucun rapport, ceci-dit, avec la véritable Inquisition ici. Il s'agit plutôt d'un questionnement critique sur nos propres faiblesses, le résultat d'une inquisition intérieure et personnelle, qui peut prendre la forme de la psychanalyse. L'un des trois personnages (pour quatre acteurs) de la pièce tient d'ailleurs occasionnellement le rôle d'une psychanalyste. Quatre acteurs (plus des apparitions muettes et masquées de Wayn Traub lui-même dans les passages chorégraphiés), trois personnages et des rôles multiples pour chacun. Trois histoires qui n'en font en fait qu'une à la fin : une fable médiévale autour de l'amour éternel, un conte futuriste autour d'une variation sci-fi du mythe d'Orphée, et donc la psychanalyse d'un professeur émérite. Le professeur, le jeune amant de la fable et l'astronaute perdu dans l'espace à la recherche de sa bien-aimée ne font en fait qu'un (interprété par deux acteurs). La narratrice de la fable, le Malin et la psychanalyste ne sont également qu'un seul et même personnage. Tout comme l'amante de la fable et la femme du professeur, danse-thérapeute déjantée. Trois personnages, trois couleurs : noir, rouge et blanc respectivement. Les jeux visuels autour de ces couleurs et du rapport entre la lumière et l'obscurité sont d'une grande beauté. Ils donnent une incontestable force à la mise en scène.

Toute l'action semble au final s'être déroulée dans la tête du professeur - ou au moins dans le cabinet de sa psychanalyste. On comprend peu à peu que la fable médiévale et le conte de science-fiction sont des allégories et des fantasmes liés à l'histoire du professeur et à sa relation à sa femme. Le propos de Wayn Traub, et de l'auteur Paul Pourveur, interroge notre sens du sacrifice, notre relation à l'animalité, à la danse, ou encore au mythe de l'amour éternel. En conservant une part de mystère, d'inexpliqué, en préférant les questions au réponses, Wayn Traub semble faire l'éloge de la grandeur de la religion (ouverture sur l'infini), dans un contraste saisissant avec la référence du titre (recherche de l'aveu).

Le récit est entrecoupé de passages chorégraphiés au rythme d'une musique mêlant l'ancienneté solennelle de l'orgue et les cliquetis futuristes des ordinateurs. Ces passages sont aussi l'occasion de nombreux jeux de lumières, variations autour des couleurs des personnages, qui mettent en avant l'importance de l'œil dans le théâtre de Traub.

On rit aussi à l'occasion. Grâce à quelques réflexions du professeur sur la perception de l'amour chez l'homme et le refus de l'animalité dont cela témoigne, ou face aux numéros de danse-thérapie de la femme du professeur. Et pourtant, ces remarques humoristiques seront à l'origine de la fin douloureuse de la pièce. Comme si Wayn Traub cherchait à se moquer des affirmations trop péremptoires pour laisser la place au doute. Là aussi, grandeur et misère de la religion.

Quelque peu ésotérique au départ, N.Q.Z.C. trouve progressivement sa cohérence et illustre parfaitement la dimension ritualiste du théâtre. Comme un pont jeté entre les racines antiques de cet art et son futur entrevu par Wayn Traub. Nova et vetera, comme disent les Évangiles.

Mephista @ Le Triton, mercredi 7 novembre 2007

Il y a un mystère Mephista. Comment une musique aussi bruitiste peut-elle être aussi poétique ? Il y a quelque chose qui me touche profondément dans cette attention minutieuse portée par le trio à la musicalité du moindre bruit. Les pincements, frottements, caresses de Sylvie Courvoisier sur les cordes du piano semblent toujours le fruit d'une écoute profonde des sons du monde. Ses incursions sur l'ivoire semblent résonner de toute une mémoire classique qui se marie à merveille avec les flux et reflux constants dont la musique du trio est innervée. Le contraste entre l'attitude quasi statique d'Ikue Mori derrière son laptop et les sons huileux qui en sortent, venant s'immiscer, comme des virus sonores, dans le jeu du trio, a quelque chose de fascinant quand la vision vient compléter l'écoute. Susie Ibarra, au centre, a le visage d'un bouddha au féminin. Elle trône derrière sa batterie, sure de sa force, et donc économe de celle-ci. Le concert du trio donné au Triton mercredi dernier a été un très grand moment. On peine à retranscrire en mots la magie qui se dégage de leur musique. D'autres l'ont fort bien fait ceci-dit.

La beauté de Mephista réside en fait dans une sorte d'équilibre fragile, spontané, qu'un rien pourrait briser mais qui semble pourtant le fruit d'une telle écoute réciproque qu'il semble indestructible : le moindre bruissement a un sens, pareil à la simple beauté du vent balayant les feuilles d'automne ; le lyrisme tonitruant de l'orage répond à la légèreté claudiquante d'une fine pluie clairsemée ; la mémoire de l'ancien irrigue les combinaisons sonores inédites. A la fois naturaliste et industrielle, la musique de Mephista semble combiner les sons de l'organique et la mémoire des hommes, l'innée et l'acquis, le murement réfléchi et la spontanéité de l'improvisé. Une double nature, éternelle et moderne, dont le poète faisait la caractéristique de l'art. Mephista, trois peintres de la vie moderne.

Marc Ribot @ Porgy & Bess, Vienne, lundi 5 novembre 2007

Lundi 5, au Porgy & Bess, Marc Ribot est seul sur scène. Une guitare sèche, une autre électrique. Après Pantin et Barcelone cette année, on va croire que je le suis à la trace. Et pourtant ce n'est que le fuit du hasard (qui, comme chacun sait, fait bien les choses). Des blues qui nous rappellent son engagement aux côtés de Tom Waits, des standards déconstruits pour le côté romantique, une pièce du Book of Heads de Zorn avec des ballons pour le ludisme, des études pour guitare pour l'exploration des possibles... Ribot habite la scène, seul, ce qui n'est jamais évident. Le rythme est très présent ici, absent là. La mélodie cède la place aux dissonances. Abondances d'effets électriques et pureté du jeu classique alternent. Le guitariste emmène peu à peu le public dans son univers kaléidoscopique. Avec pourtant ses quelques inflexions de jeu si reconnaissables. Franc succès dans la belle salle, chic, simple et post-cabaret du Porgy & Bess. New York Downtown comme îlot cacane préservé... il y aurait sans doute une thèse à faire là-dessus.

Sonore @ Blue Tomato, Vienne, jeudi 1er novembre 2007

Jeudi 1er novembre, le Blue Tomato ouvrait le 10e IG-Jazz Festival par une prestation du trio Sonore, soit la ligne de sax du Chicago Tentet : Peter Brötzmann, Mats Gustafsson et Ken Vandermark. Petite salle, gros son. Énorme même, par moments. Mais pas seulement. Et c'est sans doute là que réside la surprise. Certains thèmes sont très doux, comme possédant des résonances folkloriques puisées dans le fin fond des mémoires paysannes d'Europe centrale ou de Scandinavie. Les explosions sonores, brutales plus que bruitistes, en semblent alors le prolongement, comme une exacerbation expressionniste qui mêlerait l'ancestral et le contemporain.

Brötzmann, alto, ténor et clarinette au bec, mène le plus souvent le discours. C'est lui qui donne les directions à suivre, impulse changements de rythme et montées en puissance. Mats Gustafsson s'exprime essentiellement au baryton, servant de bas(s)e à la construction de l'ensemble. Mais il apporte aussi quelques sonorités décalées à l'aide d'une clarinette métal et d'un sax à coulisse. Ken Vandermark alterne ténor et clarinette, œuvrant plus souvent que ses compères dans le registre mélodique. Si les passages collectifs surpuissants impressionnent - c'est ce qu'on attend de ces trois-là - les solos que chacun prend au cours du concert révèlent des sensibilités plus complexes. Au final, on retient plus de ce concert la richesse des paysages sonores abordés que le révolutionnarisme un peu daté que ce genre de musique suppose parfois. Tant mieux !